Neuf femmes L'œuvre d'Alex Katz (né en 1927 à New York) est une peinture murale de 240 mètres de long, installée en plein cœur de Times Square, au centre du quartier des théâtres new-yorkais. Doris C. Freedman, présidente du Public Arts Council, a déclaré que l'œuvre de Katz « illustre parfaitement comment l'art peut dynamiser et embellir les espaces publics en milieu urbain. La composition d'Alex Katz – une procession de 24 visages de femmes – apporte une impression de fluidité, de légèreté et d'espace à l'espace généralement encombré de la 42e Rue et de Broadway. » L'œuvre se compose de 23 têtes de femmes, chacune haute de 20 mètres, qui se détachent sur le panneau d'affichage de 240 mètres et la tour de 60 mètres qui se dresse en arrière-plan, offrant ainsi la vision singulière de l'un des plus grands artistes contemporains des États-Unis à l'une des artères les plus commerçantes du pays.

Messages au public ont constitué une partie essentielle de Public Art FundL'engagement à long terme de [nom de l'artiste] envers les œuvres d'art utilisant les médias. Présentée de 1982 à 1990, l'exposition mettait en vedette une série de projets d'artistes créés spécifiquement pour le panneau Spectacolor de Times Square.

Comme l'expliquait Russell Miller, du journal The Toledo Blade (Ohio), dans son article du 19 février 1984 : « Chaque mois, un artiste différent présente une animation de 30 secondes sur le panneau lumineux Spectacolor – un ensemble de 800 pieds carrés (environ 74 m²) composé de 8 000 ampoules rouges, blanches, bleues et vertes de 60 watts qui domine le paysage de Times Square. Le spot est diffusé plus de 50 fois par jour pendant deux semaines, intégré à une boucle de 20 minutes de publicités animées par ordinateur. »

Spiders Une œuvre de Louise Bourgeois (1911-2010, née à Paris, France) a été exposée au Rockefeller Center durant l'été 2001. L'œuvre représente une araignée de 30 mètres de haut. Maman—qui signifie « maman » en français, la langue maternelle de Bourgeois — portant un panier d'œufs et flanquée de deux araignées plus petites. Brian D. Leitch Le New York Times Magazine « Louise Bourgeois, à l’image de la sculpture géante d’araignée-mère qu’elle a créée il y a plusieurs années, tisse depuis plus de six décennies une œuvre étrangement magnifique, et enfin, à 90 ans, elle obtient la reconnaissance qu’elle mérite », a-t-elle déclaré.

Tatzu Nishi (né en 1960 à Nagoya, au Japon) est internationalement reconnu pour ses œuvres d'art éphémères qui transforment notre perception des monuments, des statues et des détails architecturaux. Ses installations offrent au public un accès privilégié à certains aspects de notre environnement urbain tout en modifiant radicalement nos perceptions. Pour son premier projet public aux États-Unis, Nishi a choisi de se concentrer sur la statue historique de Christophe Colomb.

La statue de marbre, qui culmine à plus de 75 mètres au sommet d'une colonne de granit, est l'œuvre du sculpteur italien Gaetano Russo. Elle fut inaugurée en 1892 pour commémorer le 400e anniversaire du premier voyage de Christophe Colomb aux Amériques. Malgré son emplacement privilégié, la statue elle-même reste méconnue, se détachant rarement sur le ciel et n'apparaissant que comme une silhouette se détachant sur le paysage ou de loin, depuis les bâtiments environnants.

Le projet de Nishi réinterprète la colossale statue de Christophe Colomb, haute de quatre mètres, dans un salon moderne entièrement meublé. Tables, chaises, canapé, tapis et télévision à écran plat composent un décor qui reflète l'interprétation que l'artiste fait du style new-yorkais contemporain. Il a même créé un papier peint inspiré de ses souvenirs de la culture populaire américaine, lui qui regardait des films et des séries télévisées hollywoodiennes durant son enfance au Japon. À la découverte de Colomb L'œuvre offre à la fois une perspective unique sur un monument historique et une expérience surréaliste de la sculpture dans un contexte inédit. En nous faisant gravir six étages jusqu'à un salon imaginaire, Tatzu Nishi nous invite à explorer les méandres de notre imagination.

Séparation de flux Cette œuvre est une commande de l'artiste new-yorkaise Tauba Auerbach (née en 1981 à San Francisco, Californie), qui transforme le bateau-pompe historique John J. Harvey en un navire « dazzle » contemporain. Inventés par le peintre britannique Norman Wilkinson pendant la Première Guerre mondiale, les motifs dazzle originaux étaient peints sur les navires pour en déformer optiquement les formes, perturbant ainsi les sous-marins ennemis qui cherchaient à évaluer leur distance, leur direction et leur vitesse. Avec leurs formes géométriques, les motifs dazzle s'inspiraient fortement du camouflage animal et des mouvements d'avant-garde comme le cubisme, le futurisme et le vorticisme. Des milliers de navires furent décorés de ces motifs au Royaume-Uni et aux États-Unis, notamment à New York, au chantier naval de Brooklyn.

Conquête Conquest est une performance collective inédite et captivante, conçue par l'artiste renommé Pope.L (1955-2023, né à Newark, New Jersey). Inspirée de ses iconiques « crawls » en solitaire, où l'artiste se traînait à travers différents paysages urbains, Conquest, qui sillonne les rues et les parcs du centre de Manhattan, prolonge cette tradition irrévérencieuse et provocatrice de quarante ans de performance publique par une ambitieuse traversée collective impliquant plus de 140 volontaires.

L'artiste a sélectionné des participants représentatifs de la diversité culturelle et démographique de New York pour parcourir à quatre pattes un itinéraire de 1.5 kilomètres, du terrain de jeux John A. Seravalli dans West Village à Union Square, en passant par l'arc de triomphe de Washington Square Park. En rampant ensemble, des inconnus font l'expérience de la difficulté et de la vulnérabilité liées à l'abandon de leurs privilèges physiques, offrant ainsi une satire de leurs propres avantages sociaux et politiques. Au fil de l'œuvre « Conquest » de Pope.L, nous sommes tous amenés à réfléchir sur la puissance et les contradictions de l'action collective.

Née en Éthiopie et vivant actuellement en Côte d'Ivoire, Aïda Muluneh crée des photographies vibrantes qui mettent en lumière son identité nationale, politique et culturelle. À travers la métaphore, elle compose des vignettes qui dépeignent avec poésie les différentes facettes de son expérience de femme éthiopienne et d'immigrée. Muluneh a quitté l'Éthiopie très jeune et a grandi entre le Yémen et l'Angleterre, avant de séjourner à Chypre et au Canada, puis d'étudier aux États-Unis. Son travail témoigne de son désir de partager des perspectives africaines complexes et authentiques, ainsi que de ses propres voyages à travers le monde. C'est là que je suis est une exposition de 12 nouvelles œuvres de Muluneh (née en 1974, Addis-Abeba, Éthiopie) présentée dans plus de 330 abribus JCDecaux à New York, Boston et Chicago aux États-Unis, et à Abidjan en Côte d'Ivoire.