Neuf femmes L'œuvre d'Alex Katz (né en 1927 à New York) est une peinture murale de 240 mètres de long, installée en plein cœur de Times Square, au centre du quartier des théâtres new-yorkais. Doris C. Freedman, présidente du Public Arts Council, a déclaré que l'œuvre de Katz « illustre parfaitement comment l'art peut dynamiser et embellir les espaces publics en milieu urbain. La composition d'Alex Katz – une procession de 24 visages de femmes – apporte une impression de fluidité, de légèreté et d'espace à l'espace généralement encombré de la 42e Rue et de Broadway. » L'œuvre se compose de 23 têtes de femmes, chacune haute de 20 mètres, qui se détachent sur le panneau d'affichage de 240 mètres et la tour de 60 mètres qui se dresse en arrière-plan, offrant ainsi la vision singulière de l'un des plus grands artistes contemporains des États-Unis à l'une des artères les plus commerçantes du pays.
Agnes Denes (née en 1931 à Budapest, en Hongrie) et ses assistants ont semé et récolté 1.5 hectare de blé sur le site d'enfouissement de Battery Park City. Les semis ont consisté à creuser 285 sillons à la main, à enlever les pierres et les déchets, puis à semer manuellement et à recouvrir les sillons. Chaque sillon a nécessité deux à trois heures de travail. Denes et ses assistants ont entretenu le champ pendant quatre mois : ils ont installé un système d'irrigation, désherbé, épandu des engrais, enlevé les pierres, les rochers et les fils électriques à la main, et traité le champ contre le mildiou. Le 16 août 1982, Denes a récolté la culture, obtenant près de 1000 kg de blé doré et sain. Denes décrit le projet comme un « symbole, un concept universel. Il représente l'alimentation, l'énergie, le commerce, les échanges mondiaux, l'économie. Il évoque la mauvaise gestion et la faim dans le monde. C'est une intrusion dans la Citadelle, une confrontation avec la Haute Civilisation. Mais c'est aussi Shangri-La, un petit paradis, l'enfance, une chaude après-midi d'été à la campagne, la paix. Des valeurs oubliées, des plaisirs simples. »
Messages au public ont constitué une partie essentielle de Public Art FundL'engagement à long terme de [nom de l'artiste] envers les œuvres d'art utilisant les médias. Présentée de 1982 à 1990, l'exposition mettait en vedette une série de projets d'artistes créés spécifiquement pour le panneau Spectacolor de Times Square.
Comme l'expliquait Russell Miller, du journal The Toledo Blade (Ohio), dans son article du 19 février 1984 : « Chaque mois, un artiste différent présente une animation de 30 secondes sur le panneau lumineux Spectacolor – un ensemble de 800 pieds carrés (environ 74 m²) composé de 8 000 ampoules rouges, blanches, bleues et vertes de 60 watts qui domine le paysage de Times Square. Le spot est diffusé plus de 50 fois par jour pendant deux semaines, intégré à une boucle de 20 minutes de publicités animées par ordinateur. »
En tant qu'artiste en résidence, David Hammons (né en 1943 à Springfield, Illinois) a réalisé une sculpture temporaire intitulée Objectifs plus élevésL'œuvre a été construite sur place, dans le parc Cadman Plaza de Brooklyn, sur une période de huit semaines.
Objectifs plus élevés L'installation se compose de cinq poteaux téléphoniques recouverts de capsules de bouteilles, d'une hauteur variant de 6 à 9 mètres. Au sommet de chaque poteau est fixé un panneau de basket-ball (également recouvert de capsules), avec panier et filet. Au terme d'un travail fastidieux, Hammons a cloué plus de 10 000 capsules sur chaque poteau pour créer des motifs distinctifs en losange, en spirale et en maille. Hammons a expliqué le concept de « Higher Goals » en utilisant une analogie avec les équipes de basket-ball professionnelles : « Il faut cinq joueurs pour former une équipe, mais des milliers rêvent d'y jouer. Tous n'y parviendront pas, mais même si ce n'est pas le cas, au moins ils auront essayé. » Cette affirmation illustre la conviction personnelle de Hammons que les aspirations ne doivent pas se limiter à des limites prédéfinies et que chacun doit se fixer des objectifs plus ambitieux (c'est-à-dire supérieurs à la hauteur standard d'un panier de basket-ball, soit 3 mètres).
Spiders Une œuvre de Louise Bourgeois (1911-2010, née à Paris, France) a été exposée au Rockefeller Center durant l'été 2001. L'œuvre représente une araignée de 30 mètres de haut. Maman—qui signifie « maman » en français, la langue maternelle de Bourgeois — portant un panier d'œufs et flanquée de deux araignées plus petites. Brian D. Leitch Le New York Times Magazine « Louise Bourgeois, à l’image de la sculpture géante d’araignée-mère qu’elle a créée il y a plusieurs années, tisse depuis plus de six décennies une œuvre étrangement magnifique, et enfin, à 90 ans, elle obtient la reconnaissance qu’elle mérite », a-t-elle déclaré.
Public Art Fund, en collaboration avec la ville de New York, a présenté Les chutes d'eau de New YorkUne œuvre d'art public majeure et inédite du célèbre artiste international Olafur Eliasson (né en 1967 à Copenhague, Danemark) était exposée. L'installation, composée de quatre cascades artificielles monumentales, a été visible jusqu'au 13 octobre 2008 sur quatre sites du front de mer new-yorkais : l'une à l'ancrage du pont de Brooklyn, côté Brooklyn ; une autre sur les quais de Brooklyn, entre les quais 4 et 5, près de la promenade de Brooklyn Heights ; une troisième à Lower Manhattan, au quai 35, au nord du pont de Manhattan ; et la dernière sur la rive nord de Governors Island. Hautes de 90 à 120 mètres, ces cascades artificielles, installées sur le rivage, fonctionnaient de 5h30 à 9h les lundis et mercredis, et de 12h30 à 9h du mardi au dimanche. Elles étaient illuminées après le coucher du soleil.
Tatzu Nishi (né en 1960 à Nagoya, au Japon) est internationalement reconnu pour ses œuvres d'art éphémères qui transforment notre perception des monuments, des statues et des détails architecturaux. Ses installations offrent au public un accès privilégié à certains aspects de notre environnement urbain tout en modifiant radicalement nos perceptions. Pour son premier projet public aux États-Unis, Nishi a choisi de se concentrer sur la statue historique de Christophe Colomb.
La statue de marbre, qui culmine à plus de 75 mètres au sommet d'une colonne de granit, est l'œuvre du sculpteur italien Gaetano Russo. Elle fut inaugurée en 1892 pour commémorer le 400e anniversaire du premier voyage de Christophe Colomb aux Amériques. Malgré son emplacement privilégié, la statue elle-même reste méconnue, se détachant rarement sur le ciel et n'apparaissant que comme une silhouette se détachant sur le paysage ou de loin, depuis les bâtiments environnants.
Le projet de Nishi réinterprète la colossale statue de Christophe Colomb, haute de quatre mètres, dans un salon moderne entièrement meublé. Tables, chaises, canapé, tapis et télévision à écran plat composent un décor qui reflète l'interprétation que l'artiste fait du style new-yorkais contemporain. Il a même créé un papier peint inspiré de ses souvenirs de la culture populaire américaine, lui qui regardait des films et des séries télévisées hollywoodiennes durant son enfance au Japon. À la découverte de Colomb L'œuvre offre à la fois une perspective unique sur un monument historique et une expérience surréaliste de la sculpture dans un contexte inédit. En nous faisant gravir six étages jusqu'à un salon imaginaire, Tatzu Nishi nous invite à explorer les méandres de notre imagination.
Ai Weiwei a conçu cette exposition multimédia et multisite pour les espaces publics, les monuments, les bâtiments, les transports et les supports publicitaires de New York. Ensemble, ces éléments constituent une réponse passionnée à la crise migratoire mondiale et une réflexion sur la profonde impulsion sociale et politique qui pousse à diviser les peuples. Pour Ai, ces thèmes sont profondément ancrés. Il a vécu l'exil avec sa famille durant son enfance, la vie d'immigrant et d'étudiant en art à New York, et plus récemment, la répression brutale dont il a été victime en tant qu'artiste et militant en Chine. L'exposition puise dans de nombreux aspects de la carrière d'Ai en tant qu'artiste plasticien et architecte, et est nourrie à la fois par son expérience personnelle et par le sort des personnes déplacées. En 2016, Ai et son équipe ont voyagé dans 23 pays et plus de 40 camps de réfugiés lors du tournage de son documentaire. Flux humain.
« Les bons murs font les bons voisins », dit un proverbe populaire cité dans le poème « Mending Wall » du poète américain Robert Frost, où la nécessité d'un mur d'enceinte est remise en question. Ai Weiwei a choisi ce titre avec un sourire ironique et une conscience aiguë de la façon dont les idées populistes attisent souvent la peur et les préjugés. Les visiteurs de l'exposition découvriront que les « bons murs » d'Ai Weiwei ne sont pas des barrières impénétrables, mais des ajouts puissants, immersifs et profonds au tissu urbain.
Emplacements multiples
Séparation de flux Cette œuvre est une commande de l'artiste new-yorkaise Tauba Auerbach (née en 1981 à San Francisco, Californie), qui transforme le bateau-pompe historique John J. Harvey en un navire « dazzle » contemporain. Inventés par le peintre britannique Norman Wilkinson pendant la Première Guerre mondiale, les motifs dazzle originaux étaient peints sur les navires pour en déformer optiquement les formes, perturbant ainsi les sous-marins ennemis qui cherchaient à évaluer leur distance, leur direction et leur vitesse. Avec leurs formes géométriques, les motifs dazzle s'inspiraient fortement du camouflage animal et des mouvements d'avant-garde comme le cubisme, le futurisme et le vorticisme. Des milliers de navires furent décorés de ces motifs au Royaume-Uni et aux États-Unis, notamment à New York, au chantier naval de Brooklyn.
Estructuras Monumentales Cette exposition est la première grande exposition de sculptures en plein air de l'artiste new-yorkaise Carmen Herrera (1915-2022, née à La Havane, Cuba). Créant des peintures abstraites et vibrantes depuis plus de 70 ans, elle n'a que récemment reçu la reconnaissance qu'elle mérite dans l'histoire de l'art. Les compositions lumineuses d'Herrera simplifient des formes dynamiquement juxtaposées à leurs éléments les plus purs : la couleur et la géométrie. Elle crée ainsi une clarté singulière et emblématique en mettant l'accent sur ce qu'elle perçoit comme « la beauté de la ligne droite ».
Herrera Ouvrages d'art Les séries de sculptures sont encore moins connues. Forte de sa formation d'architecte, Herrera a entamé cette série dans les années 1960 par un ensemble d'esquisses schématiques. Elle envisageait des sculptures monochromes de grande envergure qui prolongeraient l'expérience de ses peintures lumineuses en trois dimensions. Jusqu'à récemment, ces projets historiques sont restés lettre morte. Estructuras MonumentalesCette artiste remarquable peut désormais partager pour la première fois ses puissantes structures avec le public.
Conquête Conquest est une performance collective inédite et captivante, conçue par l'artiste renommé Pope.L (1955-2023, né à Newark, New Jersey). Inspirée de ses iconiques « crawls » en solitaire, où l'artiste se traînait à travers différents paysages urbains, Conquest, qui sillonne les rues et les parcs du centre de Manhattan, prolonge cette tradition irrévérencieuse et provocatrice de quarante ans de performance publique par une ambitieuse traversée collective impliquant plus de 140 volontaires.
L'artiste a sélectionné des participants représentatifs de la diversité culturelle et démographique de New York pour parcourir à quatre pattes un itinéraire de 1.5 kilomètres, du terrain de jeux John A. Seravalli dans West Village à Union Square, en passant par l'arc de triomphe de Washington Square Park. En rampant ensemble, des inconnus font l'expérience de la difficulté et de la vulnérabilité liées à l'abandon de leurs privilèges physiques, offrant ainsi une satire de leurs propres avantages sociaux et politiques. Au fil de l'œuvre « Conquest » de Pope.L, nous sommes tous amenés à réfléchir sur la puissance et les contradictions de l'action collective.
Exposée sur les rives de cet ancien port de commerce, Atlantique noir Cette exposition s'inspire de la diaspora transatlantique qui relie l'Afrique aux Amériques et à l'Europe. Au fil des siècles, ces réseaux ont donné naissance à des cultures et des identités hybrides et complexes, à l'image de celles des cinq artistes présentés dans Black Atlantic. Chaque œuvre commandée propose une approche créative unique pour façonner de nouvelles identités et de nouveaux avenirs à travers le geste personnel d'un travail artisanal, souvent en dialogue avec les procédés de fabrication à grande échelle. Les artistes ont puisé dans l'histoire mondiale et leurs expériences personnelles pour créer ces œuvres captivantes, aussi inventives dans leurs formes et leurs matériaux que puissantes dans leurs thèmes.
Née en Éthiopie et vivant actuellement en Côte d'Ivoire, Aïda Muluneh crée des photographies vibrantes qui mettent en lumière son identité nationale, politique et culturelle. À travers la métaphore, elle compose des vignettes qui dépeignent avec poésie les différentes facettes de son expérience de femme éthiopienne et d'immigrée. Muluneh a quitté l'Éthiopie très jeune et a grandi entre le Yémen et l'Angleterre, avant de séjourner à Chypre et au Canada, puis d'étudier aux États-Unis. Son travail témoigne de son désir de partager des perspectives africaines complexes et authentiques, ainsi que de ses propres voyages à travers le monde. C'est là que je suis est une exposition de 12 nouvelles œuvres de Muluneh (née en 1974, Addis-Abeba, Éthiopie) présentée dans plus de 330 abribus JCDecaux à New York, Boston et Chicago aux États-Unis, et à Abidjan en Côte d'Ivoire.
