Leilah Babirye, Hugh Hayden, Dozie Kanu, Tau Lewis et Kiyan Williams Atlantique noir

Exposée sur les rives de cet ancien port de commerce, Atlantique noir Cette exposition s'inspire de la diaspora transatlantique qui relie l'Afrique aux Amériques et à l'Europe. Au fil des siècles, ces réseaux ont donné naissance à des cultures et des identités hybrides complexes, à l'image de celles des cinq artistes présentés. Atlantique noirChaque commande propose une approche créative unique pour façonner de nouvelles identités et de nouveaux avenirs à travers le geste personnel du travail artisanal, souvent en dialogue avec les procédés de fabrication à grande échelle. Les artistes puisent dans l'histoire mondiale et leurs expériences personnelles pour créer ces œuvres captivantes, aussi inventives dans leurs formes et leurs matériaux que puissantes dans leurs thèmes.

Atlantique noir est co-organisée par l'artiste Hugh Hayden et Public Art Fund Conservateur adjoint Daniel S. Palmer.

Agar Awamu (Ensemble)2022.
Leilah Babirye (Née en 1985 à Kampala, en Ouganda ; vit et travaille à Brooklyn, New York) présente deux nouvelles séries de sculptures monumentales en pin blanc. Elle a sculpté ces formes figuratives à la main et à la tronçonneuse, s'inspirant de sa formation aux techniques traditionnelles africaines. Babirye les a embellies en les brûlant, en les polissant et en les ornant de métal soudé et de matériaux de récupération, transformant ainsi les déchets en œuvres spectaculaires et révélant leur valeur intrinsèque. Ces sculptures, qu'elle nomme « reines trans », sont destinées à « se dresser fièrement comme des phares de liberté accueillant la communauté LGBTQ+ internationale ».

Gulf Stream2022.
Hugh Hayden (Né en 1983 à Dallas, Texas ; vit et travaille à New York) a conçu cette exposition et a également contribué à cette œuvre surréaliste. Hayden a combiné l'extérieur d'une coque de bateau à clins avec un intérieur squelettique évoquant une baleine pour créer ce navire vide échoué sur le rivage. La forme et le titre « Gulf Stream » font simultanément référence à une peinture de 1899 de Winslow Homer représentant une figure noire solitaire en situation désespérée sur un bateau naufragé en mer, et à la réinterprétation de Kerry James Marshall en 2003 qui a transformé la scène en une scène de loisirs. Hayden voit son Gulf Stream sculpture représentée « à la fois comme un bateau et un corps, dont les passagers inconnus ont peut-être réussi à se mettre en sécurité ou ont été engloutis par la mer ».

Sur les coudes2022.
Dozie Kanu (Né en 1993 à Houston, Texas ; vit et travaille à Santarém, Portugal) a créé un ensemble d'objets surréalistes qui mettent en lumière les tensions entre sphère publique et sphère privée de l'identité. Un récipient contenant un liquide noir qui pulse au rythme d'un battement de cœur humain et une chaise longue (généralement associée à la psychanalyse) moulée en béton évoquent l'introspection ainsi que les profondeurs obscures de l'inconscient individuel et collectif. Les jantes « Texan Wire Wheels » du canapé (également appelées « coudes » ou « swangas ») font référence à la vibrante culture automobile « SLAB » de Houston, ville natale de l'artiste. Il décrit la personnalisation des voitures au sein de cette tradition comme une « création libre et ludique de ses propres biens matériels – des gestes que je trouve profondément complexes et riches, compte tenu du rapport que les Afro-Américains continuent de construire entre propriété et libre arbitre. »

Nous avons serré nos ventres l'un contre l'autre et donné des coups de pied, nous sommes devenus quelque chose de si étrange que nous n'avions plus de prédateurs naturels., 2022
Nous avons vu l'humanité évoluer tandis qu'elle s'enfonçait dans les fonds marins, la lune nous contemplait et nous disait que la Terre avait le cœur lourd., 2022
Nous nous demandions si les anges nous avaient abandonnés, ou s'ils avaient simplement changé de forme sans nous prévenir. Chaque nuit, des créatures disparaissaient, chaque matin, des étrangers arrivaient., 2022
Tau Lewis (Née en 1993 à Toronto, Canada ; vit et travaille à Brooklyn, New York) a puisé son inspiration pour créer ces trois sculptures en fonte de près de deux mètres de diamètre dans sa fascination de longue date pour les crinoïdes, une famille de créatures marines qui comprend les étoiles de mer, les oursins, les concombres de mer et leurs ancêtres préhistoriques. Chacun de ces animaux possède un pédoncule en forme de disque superposé, orné de motifs uniques. Leur symétrie pentaradiaire se reflète dans les sculptures de Lewis, avec des motifs répétés intégrant des symboles Adinkra d'Afrique de l'Ouest. Les moulages de l'artiste « méditent sur les migrations de ces animaux anciens, la dispersion mondiale de leurs corps fossilisés et leur coexistence avec les populations noires, de part et d'autre de l'Atlantique et à travers la diaspora ».

Ruines de l'Empire2022.
Kiyan Williams (Né en 1991 à Newark, New Jersey ; vit et travaille à New York) explore les « ruines de l'empire » en réinterprétant un symbole emblématique des valeurs américaines : la Statue de la Liberté. Ce monument en bronze, conçu par Thomas Crawford, se dresse au sommet du dôme du Capitole à Washington, D.C., depuis 1863 (un édifice construit grâce au travail forcé d'esclaves). La surface de terre de son adaptation donne à la sculpture un aspect de décomposition et de délabrement, « incarnant ainsi le lien entre les idéaux américains de liberté et l'asservissement, et s'inspirant des thèmes de la science-fiction où un monument détruit comme la Statue de la Liberté symbolise un monde ravagé par la catastrophe environnementale. »

Installé sur les orilles de cet ancien port maritime, Atlantique noir (Atlántico Negro) C'est une exposition inspirée par la diaspora qui traverse l'océan et connecte l'Afrique à l'Amérique et à l'Europe. Durant ces siècles, ce rouge transatlantique a pour but de situer des cultures et des identités hybrides et complètes, comme les cinq artistes inclus dans Atlantique noir (Atlántico Negro). Chaque entreprise a une mission créative singulière pour la construction de nouvelles identités et d'avenir à travers des gestes personnels du travail artisanal, un menu en dialogue avec les processus de fabrication à grande échelle. Les artistes ont récurrent des histoires globales comme des expériences personnelles pour créer ces œuvres prudentes, qui sont si ingénieuses en termes de forme et de matériaux comme puissants dans leurs thèmes.

Agali Awamu (Ensemble) (Agali Awamu [Unión])2022.
Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Ouganda ; vive et travaille à Brooklyn, NY) présente deux nouveaux groupes de sculptures monumentales en bois de pin blanc. L'artiste a élevé ces pièces figuratives avec une motosierra ya mano, récurrentes dans sa formation en techniques traditionnelles africaines. Babirye a embelli ces figures au cours des processus de cuisson, de brûlage et de décoration avec des métaux soudés et des matériaux de désir rencontrés, de façon telle que le résidu se transforme en quelque chose de spectaculaire et, comme résultat, déjà ver sa valeur intrinsèque. Ces sculptures, comme celles qui appellent les « reines trans », ont pour objet « d'apporter des couleurs comme la liberté qui rejoint une communauté LGBTQ+ internationale ».

Gulf Stream (La Corriente del Golfo)2022.
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, TX; vive et travaille à New York, NY) a conçu l'exposition Atlantique noir (Atlántico Negro) et il a également contribué à elle avec cette œuvre d’art surréaliste. Hayden a combiné l'extérieur d'un bateau de casque trinqué avec un intérieur en forme de casque de balle pour créer cet embarquement vide arrastrada à l'orille. La forme et le titre, Gulf Stream (La Corriente del Golfo), cette œuvre est une référence et une « réversion » d’une peinture de Winslow Homer de 1899, qui montre un personnage noir solo et dans une situation extrême à l’intérieur d’une bouteille naufragée en milieu de mer, et de la réinterprétation de Kerry James Marshall en 2003, dans laquelle cette scène se transforme en un travail. Hayden conçoit son œuvre comme « un bateau et un corps, qui sont des inconnus pasajeros pueden haber logrado salvarse, o bien haber sido tragados por el mar ».

Sur les coudes (Sobre codos)2022.
Dozie Kanu (né en 1993, Houston, Texas ; vive et travaille à Santarém, Portugal) a créé un assemblage d'objets surréalistes qui vise à soulager les tensions entre les aspects publics et privés du monde. Un récipient avec du liquide noir qui tarde au rythme d'un cœur humain et d'un divan méridienne (généralement associé à la psychologie) est fondé sur l'hormigón aluden à l'introspection ya les troubles profonds de l'inconscient individuel et collectif. Les modèles typiques de Texan Wire Wheels (également appelés « codos » ou « swangas ») sur le canapé font référence à la vibrante culture automobile « SLAB » de Houston, ville natale de l'artiste. Kanu décrit la tradition de personnalisation des voitures comme « une forme libre et ludique de conception de nos propres propriétés matérielles, gestes qui me paraissent somme toute complexes et ratifiés par la relation avec les États-Unis noirs qui nous permettent de naviguer entre la propriété et l'agence ».

Nous avons serré nos ventres l'un contre l'autre et nous avons donné des coups de pieds, nous sommes devenus quelque chose de tellement étranger que nous n'avions plus de prédateurs naturels (Unimos nuestros vientres y agitamos nuestros pies, nos convertos en algo tan extraño que ya no teníamos depredadores naturales), 2022
Nous avons regardé l'humanité évoluer alors que nous nous absorbions dans le fond marin, la lune nous regardait et nous disait que la Terre avait le cœur lourd (Vimos evolucionar a la humanidad mientras nos absorbía el fondo del mar, la luna nos miró fijo y nos contó que la Tierra tenía un corazón acongojado), 2022
Nous nous demandions si les anges nous avaient abandonnés ou s'ils avaient simplement changé de forme sans nous le faire savoir. Chaque nuit, des créatures disparaissaient, chaque matin des étrangers arrivaient (Nos preguntamos si los ángeles nos habían abandonnéado, o si simplemente habían cambiado de forma sin avisarnos. Cada noche desaparecían criaturas, cada mañana llegaban extraños), 2022

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canada; vive et travaille à Brooklyn, NY) a été mon inspiration pour créer ces trois sculptures de hier fondées sur deux métros de diamètre dans votre «éternelle fascination pour les crinoideos», une famille de créatures marines qui incluent les étoiles, les oiseaux et les pépins de mer, ainsi que leur antepasados ​​préhistoriques. Le corps de ces animaux est formé par un haut en forme de discothèques composées de designs uniques. La similitude de ses cinq points est reflétée dans les sculptures de Lewis, qui exposent des patrons répétés qui incorporent les symboles adinkra de l’ouest de l’Afrique. Avec ces pièces de fondation, l’artiste « réfléchit sur la destruction de ces animaux ancestraux, la distribution mondiale de ses corps fossilisés et sa coexistence avec les corps noirs, pour l’encima et pour le débâcle de l’Atlantique et pour toute la diaspora ».

Ruines de l'Empire (Ruinas del imperio)2022.
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ ; vive et travaille à New York, NY) concibe ces « ruines de l'empire » au milieu de la réinterprétation d'un symbole emblématique des valeurs établies : la Estatua de la Libertad del Capitolio. Le monument en bronze conçu par Thomas Crawford date de 1863 à Washington D.C., sur la coupole du Capitole des États-Unis (une structure construite avec une main d'œuvre fermée). La surface arène et la version de Williams font que la sculpture parezca est en état de décomposition et de détérioration, « ce qui reflète le mode selon lequel les idéaux de liberté sont liés un jour, et elle s'inspire d'un trope très utilisé dans la science-fiction : un monument comme la statue de la La liberté de New York a été détruite comme symbole d’un monde détruit par la dégradation ambiante ».

Leilah Babirye (née en 1985 à Kampala, Ouganda) est une artiste et activiste qui vit et travaille à Brooklyn, New York. Il a étudié l'art à l'Université de Makerere à Kampala, en Ouganda (2007-2010), et a participé à la résidence artistique de Fire Island en 2015. L'artiste est arrivée à New York depuis son Ouganda natal en 2015, elle a été exposée publiquement comme homosexuelle dans un périodique local. Au début de 2018, Babirye a été accueilli avec l'appui du Comité de Services Africains et du Projet Antiviolence de New York. Dans sa pratique multidisciplinaire, Babirye a apporté des éléments en bois, en céramique, en matériaux trouvés et en peinture, et les a transformés en sujets figuratifs qui abordent des questions liées à l'identité, à la sexualité et aux droits humains. Babirye explore la diversité des identités LGBTQI et confie à chaque sujet une dignité majestueuse et une beauté expressive et tangible. Entre vos expositions récentes se rencontrent Ebika Bya ba Kuchu mu Buganda (Clanes Kuchu de Buganda) à Gordon Robichaux, Nueva York et Los Angeles, et à la Stephen Friedman Gallery, Londres ;  Vol : une histoire collective (Vuelo : una historia colectiva) au Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, New York (sous la direction de Serubiri Moses) ; Mur de pierre 50 au Musée d'art contemporain (CAMH), Houston, Texas ; Et dans le parc de sculptures Socrates, où sont présentées les sculptures monumentales par chargement.

Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, Texas) considère que l'anthropomorphisation du monde naturel est une lente viscérale pour explorer la condition humaine. En bois comme moyen principal, Hayden recrée des objets communs au cours d'un processus de sélection, de sélection et de sélection avec la fin de la question de la perception que nous avons de nous, de nos autres personnages et de notre avenir. En travaillant avec divers objets chargés avec des histoires de capas multiples, comme des troncs déchaînés, des bois indigènes poco comunes, des arbres de naissance ou des sculptures africaines de souvenirs, l'artiste a su combiner des espèces différentes et ainsi créer de nouvelles formes de compositions qui reflètent également ses complexes culturels d'origine. Hayden vit et travaille à New York ; Il possède une maîtrise en beaux-arts de l'Université de Columbia et une licence en architecture de l'Université Cornell. Entre vos dernières expositions individuelles, vous trouverez : Huey, Galerie Lisson, Nueva York, 2021 ; Boogey Men (Les hommes du sac), Institut d'art contemporain de Miami, 2021; y Patch de Brier (Matorral de espinas), par chargement du Madison Square Park Conservancy, New York, 2022.

Dozie Kanu (n. 1993, Houston, Texas) est radiqué à Santarém, Portugal. Votre enquête se concentre sur un concept de culture qui aborde la production d'objets qui entraînent une tension entre l'utilisation qui se fait le jour et son histoire, sa mémoire et sa matérialité. Le langage visuel de Kanu est une critique des canons de l’histoire de l’art occidental et, avec sutileza et élégance, révèle les objets narratifs du tourbillon colonialisme et de l’identité, qui s’appuient sur la situation diasporique. Entre les expositions sélectionnées se trouvent : Centre-ville (Centro de la ciudad), organisé par le Salon 94 et la Maccarone Gallery, Lever House, New York, 2017 ; FONCTION (FUNCIÓN), fr Le Studio Museum de Harlem, Nueva York, 2019 ; Transformer : une renaissance de l'émerveillement (Transformador : el renacer del asombro), en 180 The Strand, Londres, 2019 ; Recul (Retroceso) (avec Cudelice Brazelton IV), dans International Waters, Brooklyn, New York, 2020 ; Owe Deed, One Deep (Debe hacer un acte, uno profundo), et Project Native Informant, Londres, 2020 ; Enzo Mari, bajo curaduría de Hans Ulrich Obrist, à la Triennale de Milan, 2020 ; Crack Up – Crack Down (Risa et révolution), au Centre d'art contemporain du château d'Ujazdowski, Varsovia, 2020 ; ordre de valeur [gentrifier.pt] (ordre de valeur [gentrificar.pt]), à la Galeria Madragoa, Lisbonne, Portugal, 2021 ; soutenir et ignorer (apuntalar e ignorar), en Arts manuels, Los Angeles, Californie, 2021.

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canada) vivez et travaillez à Nueva York, NY. Il est exposé dans des musées et des institutions comme le Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, ON ; le MoMA PS1 de New York, NY ; le Nouveau Musée de New York, NY ; le Hepworth Wakefield, Wakefield, Angleterre ; las College Art Galleries, Saskatoon, Saskatchewan; le Centre d'art Agnes Etherington, Kingston, ON; la Art Gallery of Mississauga, Mississauga, ON; et la Art Gallery de l'Université York, Toronto, ON. L'œuvre de Lewis a été incorporée aux collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, Library Collection, Nueva York, NY ; du Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, ON; de Bibliothèque et Archives Canada, Ottawa, ON; del Institut d'art contemporain, Miami, FL ; Musée d'art du Collège Del Grinnell, Grinnell, IA ; Musée del Hammer, Los Angeles, Californie ; et de Prospect 5, Nueva Orleans, LA. Bientôt, il présentera une exposition individuelle à la Haus der Kunst, Munich, Allemagne.

Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ) se consacre aux arts visuels et à l'écriture, en plus de travailler avec la fluidité comme l'artiste de l'art performatif, la sculpture, la vidéo et la 2D. Dans le cadre d'une pratique centrale dans le processus, Williams intéresse les matériaux et les méthodes sociales et peu conventionnelles qui évoquent les forces historiques, politiques et écologiques qui forment les corps individuels et collectifs. Williams a obtenu une licence en beaux-arts avec distinction à l'Université de Stanford et une maîtrise en arts visuels à l'Université de Columbia. Son travail a été exposé au SculptureCenter, au Jewish Museum, au Brooklyn Museum, au Socrates Sculpture Park, à Recess Art et à The Shed. Il y a eu des charlas et des conférences artistiques au Hirshhorn Museum, au Studio Museum de Harlem, à l'Université de Princeton, à l'Université de Stanford, à l'Université d'État de Portland, au Guggenheim et au Pratt Institute. L'œuvre de Williams se retrouve dans des collections privées et publiques comme le musée et jardin de sculptures Hirshhorn.