Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Bière, Mary Reid Kelley et Patrick Kelley, Heather Phillipson, Martine Syms, Mériem Bennani, Kate Cooper, Cécile B.Evans, GCC, Agnieszka Pologne, Tabor Robak, Jacob Satterwhite, Hayal Pozanti, Lucas Blalock, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie, Hannah Whitaker, Casey Jane Ellison Pause publicitaire

Notre monde est de plus en plus façonné par l'affichage d'informations visuelles. La publicité numérique s'est parfaitement intégrée aux sphères publiques et privées, tandis que les modes de communication, des réseaux sociaux aux smartphones, ont transformé notre perception des mondes virtuel et physique. Pause commercialeCette exposition, qui se déroule dans toute la ville, présente 23 artistes ayant créé des interruptions spécifiques au sein des cycles publicitaires de certains des écrans numériques les plus visibles et technologiquement avancés de New York. Parmi ces écrans figurent un grand panneau d'affichage à Times Square ; « Oculus » du Barclays Center, un écran LED à 360 degrés situé à Prospect Heights ; 19 écrans numériques au Westfield World Trade Center dans le Lower Manhattan ; des centaines de bornes Link de LinkNYC réparties dans les cinq arrondissements ; et le site PublicArtFund.org, où l'œuvre sera intégrée sous forme de publicité éphémère.

Pause commerciale s'inspire de la série d'expositions phares de l'organisation Messages au public, diffusée sur le panneau lumineux animé Spectacolor de 800 mètres carrés à Times Square de 1982 à 1990. Perturbant de la même manière le flux quotidien de la publicité, mais reflétant la saturation visuelle actuelle des écrans numériques, les artistes de Pause commerciale Ces œuvres représentent une nouvelle génération d'artistes travaillant dans le domaine des médias numériques et créant des interventions qui résonnent avec notre monde actuel. La diversité des commandes reflète et aborde des problématiques contemporaines : l'évolution des frontières entre sphères en ligne et hors ligne, la circulation des images, ainsi que l'omniprésence de la publicité et son pouvoir d'influencer les dimensions politiques, sociales et personnelles de la société.

Pause commerciale is Public Art FundIl s'agit de la plus grande exposition collective jamais organisée par l'établissement, et c'est la première fois qu'elle présente des œuvres simultanément dans les cinq arrondissements.

Une sélection d'œuvres est disponible sur Google Cultural Institute. Cliquez ici.

Pause commerciale est organisé par Public Art Fund Conservateurs adjoints Emma Enderby et Daniel S. Palmer.

ARTISTES ET SITES À L'HONNEUR :
Times Square: Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley et Patrick Kelley, Heather Phillipson et Martine Syms

« Oculus » du Barclays Center: Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polska, Tabor Robak et Jacolby Satterwhite

Westfield World Trade Center: Hayal Pozanti

Les bornes Link de LinkNYCLucas Blalock, Antoine Catala et Gabriel Kahan, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie et Hannah Whitaker

PublicArtFund.orgCasey Jane Ellison

VISITE DE L'EXPOSITION
Pause commerciale L'exposition a eu lieu du 6 février au 5 mars 2017.

Le panneau d'affichage de Times Square était situé à l'angle sud-est de la 47e Rue et de la 7e Avenue. Des vidéos de 15 secondes étaient diffusées toutes les 5 à 7 minutes, avec un artiste différent chaque jour de la semaine. (Voir le programme ci-dessous.)

L'« Oculus » du Barclays Center est situé au 620 Atlantic Avenue, à l'intersection des avenues Atlantic et Flatbush à Brooklyn. Des vidéos de 30 secondes étaient diffusées pendant les 45 dernières secondes de chaque demi-heure (6:59.15–6:59.45, 7:29.15–7:29.45, 7:59.15–7:59.45, etc.) de 6h00 à minuit tous les jours, et un artiste différent était présenté chaque jour de la semaine.

Le Westfield World Trade Center est situé au 185 Greenwich Street à Manhattan, dans le complexe du World Trade Center. La vidéo de 10 secondes de Hayal Pozanti était diffusée simultanément toutes les 100 secondes sur l'ensemble des 19 écrans du complexe.

Les cinq principaux carrefours où les bornes LinkNYC diffusaient les œuvres étaient particulièrement visibles entre 17h et 19h chaque jour : 86e Rue et 3e Avenue ; 14e Rue et 8e Avenue ; Bowery, entre les rues Houston et Delancey ; Frederick Douglass Boulevard (entre les rues 123 et 125) ; et 34e Rue et 6e Avenue (Herald Square). Les œuvres étaient également diffusées de manière aléatoire sur l’ensemble du réseau LinkNYC dans les cinq arrondissements tout au long de la journée, et un artiste différent était mis à l’honneur chaque jour de la semaine. (Voir le programme ci-dessous.)

Le site PublicArtFund.org présente l'œuvre de Casey Jane Ellison 24h/24, ainsi que le reste des vidéos numériques, des images et de la documentation de l'exposition.

Cory Arcangel (Dimanches / Times Square)
(Né en 1978 à Buffalo, dans l'État de New York ; vit et travaille à New York et à Stavanger, en Norvège)

Vidéo Arcangel Surfware Times Square2017.
Vidéo HD
Avec l'aimable autorisation d'Arcangel Surfware

L'approche artistique diversifiée de Cory Arcangel se manifeste à travers la musique, le cinéma, la peinture, la performance, l'édition, la programmation et la manipulation de jeux vidéo, ainsi que par l'appropriation et la préservation de ressources numériques. Son intérêt pour le langage et la culture d'Internet l'a conduit à fonder Arcangel Surfware, une marque de vêtements et d'articles lifestyle, ainsi qu'une maison d'édition, créée en collaboration avec le géant mondial du merchandising The Bravado Group, une division d'Universal Music Group. Cette publicité, avec ses chaussettes montantes douillettes et ses pantalons de survêtement griffés, transmet un message clair : les produits Arcangel Surfware contiennent tout le nécessaire pour se détendre au lit toute la journée et surfer sur Internet en tout confort.

Korakrit Arunanondchai (Jeudis / Times Square)
(Né en 1986 à Bangkok, Thaïlande ; vit et travaille à New York et à Bangkok)

Qu'est-ce qui nous sépare de tout ce qui a jamais existé dans ce monde ?2017.
Vidéo HD
Avec l'aimable autorisation de l'artiste, CLEARING New York/Bruxelles et Carlos/Ishikawa Londres

Contempler le vertige de ce monde et se dissoudre dans la légèreté2017.
Vidéo HD
Avec l'aimable autorisation de l'artiste, CLEARING New York/Bruxelles et Carlos/Ishikawa Londres

Chuchote-moi le refrain du nouveau monde2017.
Vidéo HD
Avec l'aimable autorisation de l'artiste, CLEARING New York/Bruxelles et Carlos/Ishikawa Londres

Mêlant styles et références issus de la culture pop thaïlandaise et des canons de l'histoire de l'art, Korakrit Arunanondchai crée des installations, des vidéos et des performances qui interrogent les effets de l'impérialisme, du tourisme et de l'idée d'authenticité.

Pour Times Square, Arunanondchai a créé trois vidéos pouvant être visionnées successivement ou séparément. Ces œuvres nous entraînent poétiquement dans un voyage entre la Thaïlande et New York, ponctuant de scènes avec les grands-parents de l'artiste et les manifestations post-électorales. Les juxtapositions de ces vidéos – jeunesse et vieillesse, passé et présent, espoir et perte, bonheur et douleur – nous rappellent avec force la nature complexe, tragique et pourtant magnifique de la vie.

Mériem Bennani (Samedis / Barclays Center)
(Né en 1988 à Rabat, au Maroc ; vit et travaille à Brooklyn, New York)

Votre année par Fardaous Funjab2017.
Vidéo numérique
Avec Aisha Bint Gladys et Nazia Malik ; maquillage : Yasmeen Ibrahim ; modélisation 3D additionnelle : Salim Bayri ; conception graphique : Ghazaal Vodjani. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de SIGNAL.

La nouvelle œuvre de Meriem Bennani pour l'écran « Oculus » du Barclays Center est une publicité pour une ligne de hijabs imaginaire, prolongeant ainsi ses vidéos « Fardaous Funjab ». Cette série, qui met en scène une entrepreneuse fictive – une « créatrice de hijabs d'avant-garde » – aborde les enjeux liés à la signification culturelle du foulard et remet en question les idées reçues occidentales sur la tenue vestimentaire islamique. Sa publicité spéciale « Your Year » propose un calendrier inclusif et multiethnique qui unit les fêtes islamiques et laïques. La célébration du hijab par l'artiste et son message de tolérance offrent un commentaire social pertinent sur la manière dont nous exprimons nos identités. Pour ce projet, elle a collaboré avec des militantes pro-hijab comme modèles et conseillères afin d'explorer comment l'art et la mode peuvent être un moyen de dépasser les préjugés culturels et de rassembler les gens.

Lucas Blalock (Dimanches / LinkNYC)
(Né en 1978 à Asheville, en Caroline du Nord ; vit et travaille à Brooklyn, à New York)

Cette nouvelle situation2017.
Série de quatre images numériques
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Ramiken Crucible

Les étranges photographies de Lucas Blalock révèlent sans détour les mécanismes de la manipulation numérique. Il expose pleinement ces techniques, généralement dissimulées pour créer des corps parfaits et séduisants dans la publicité. En préservant l'aspect maladroit de ses altérations, et notamment à travers sa série de photos de hot-dogs flasques, l'artiste nous livre une sorte de parodie burlesque de la publicité idéalisée, ridiculisant le médium tout entier avec pathétique et fantaisie.

Brian Bress (Mardis / Times Square)
(Né en 1975 à Norfolk, en Virginie ; vit et travaille à Los Angeles, en Californie)

Consonance et dissonance en quatre parties pour Times Square2017.
Vidéo HD
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Cherry and Martin, Los Angeles

Les trois vidéos de Brian Bress mettent en scène quatre figures insaisissables, en équilibre précaire dans un état de tension. Leurs mouvements subtils les font émerger au premier plan ou se fondre dans leurs arrière-plans graphiques audacieux. Les paysages artificiels et les personnages sans visage de Bress mêlent humour et références à l'histoire de l'art pour créer un tableau vivant énigmatique et subtil, riche de puissantes implications métaphoriques.

Antoine Catala et Gabriel Kahan (Lundis / Lien NYC)
(Antoine Catala : né en 1975 à Toulouse, France, vit et travaille à New York)
(Gabriel Kahan : né en 1980 à Mexico, Mexique ; vit et travaille à Los Angeles, Californie)

Comprendre.nyc2017.
Site web HTML, techniques mixtes
Programmation par Nicholas Woodward ; contributions de bénévoles
Avec l'aimable autorisation d'Antoine Catala et de 47 Canal, New York ; Gabriel Kahan et du programme d'art, de culture et de technologie du MIT

Comprendre.nyc est une collaboration entre l'artiste Antoine Catala et le chercheur du MIT Gabriel Kahan. Pour la durée de Pause publicitaireLe duo a utilisé le réseau de bornes LinkNYC à travers la ville pour lancer un appel à candidatures ouvert au public afin de participer à un atelier de deux jours. S'adressant à un public plus large que leur cercle habituel, leur objectif était de constituer un groupe diversifié de volontaires choisis au hasard pour travailler ensemble à l'identification d'une situation commune aux participants. À travers une série de discussions, le groupe a choisi la question « Qu'est-ce que l'amour ? » et a identifié six boucles causales : « Réalité », « Amour fantôme », « Impossible », « Amour vécu », « Le miroir » et « Séparation ». Par un travail de création collective, ces boucles causales ont ensuite été visualisées sous forme d'objets physiques, appelés « tuiles », qui ont été scannées et sont affichées en 3D sur une plateforme numérique. http://www.understand.nyc/Les visiteurs du site pouvaient interagir avec les carreaux. Ils étaient également visibles sur le réseau de bornes LinkNYC le lendemain de la fermeture de l'exposition.

Ce projet et cet atelier constituent une méthodologie — qui s'inscrit dans le cadre des recherches menées par Kahan sur la recherche d'un terrain d'entente, dans un monde où la polarité, l'anxiété et l'incertitude n'ont jamais été aussi répandues — et forment un outil simple mais puissant pour mieux comprendre notre vie quotidienne.

Kate Cooper (Lundis / Barclays Center)
(Né en 1984 à Liverpool, en Angleterre ; vit et travaille à Londres, en Angleterre)

Nous avons besoin d'un refuge2017.
Vidéo numérique
Courtoisie de l'artiste

Kate Cooper manipule numériquement des images de femmes pour questionner l'esthétique de la publicité et les représentations de la féminité. Nous avons besoin d'un refugeDans son œuvre, Cooper utilise des personnages numériques comme protagonistes afin d'explorer leur potentiel et leur représentation en tant qu'entités autonomes dotées d'une logique propre. Alors que les corps numériques classiques sont toujours irréprochables, les femmes apparaissent ici « brisées », remettant en question l'idéal féminin qu'elles incarnent habituellement. Il en résulte une œuvre qui s'oppose à sa finalité première, les personnages refusant le rôle qui leur est assigné.

Sue de Bière (Samedis / Times Square)
(Né en 1973 à Tarrytown, New York ; vit et travaille à New York)

S'ils viennent le matin 12017.
Vidéo HD
Avec Arianna Gil et Purp Perez Brujas. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Marianne Boesky.

S'ils viennent le matin 22017.
Vidéo HD
Avec Arianna Gil et Purp Perez Brujas. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Marianne Boesky.

S'ils viennent le matin 32017.
Vidéo HD
Avec Arianna Gil et Purp Perez Brujas. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Marianne Boesky.

Les films de Sue de Beer explorent les problématiques sociales de la culture contemporaine à travers un style visuel unique, caractérisé par des jeux de lumière colorés, des dédoublements prismatiques et des cadrages serrés qui confèrent à l'ensemble un charme cinématographique envoûtant. Dans cette exposition, elle présente deux jeunes skateuses urbaines du collectif féministe « Brujas » du Bronx, qui perçoivent leurs interventions dans la ville et la culture de rue comme un acte profondément politique. Leur présence marquante sur un écran publicitaire en plein cœur de la ville, les images de leurs figures emblématiques et l'appel final de de Beer, « Ne pleurez pas, organisez-vous », soulignent avec force la nature radicale de leurs actions.

Casey Jane Ellison (Quotidien / PublicArtFund.org/CommercialBreak)
(Né en 1988 à Los Angeles, Californie ; vit et travaille à Los Angeles, Californie)

Pause publicitaire avec Casey Jane Ellison2017.
Vidéo avec son
Courtoisie de l'artiste

Casey Jane Ellison est une humoriste, artiste et écrivaine. À travers ses performances et ses vidéos, ses œuvres abordent souvent avec humour la télévision et la culture des célébrités, le féminisme, les questions identitaires et l'histoire de l'art. À l'heure où la publicité et les messages en ligne sont omniprésents, Public Art Fund Ellison a été invitée à concevoir une série de « publicités » contextuelles pour la page d'accueil de l'exposition. Ellison a créé un épisode – ponctué d'interruptions où les œuvres de l'exposition sont diffusées comme des publicités – dans lequel elle médite sur les dangers du pain et du fascisme.

Awol Erizku (Jeudis / LinkNYC)
(né en 1988 à Addis-Abeba, en Éthiopie ; vit et travaille à New York, New York et à Los Angeles, Californie)

Bière de chiennes2017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Night Gallery, Los Angeles

sans titre (Étude d'une main tenant une rose)2017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Night Gallery, Los Angeles

Prélude à la sérendipité En collaboration avec Sarah Lineberger2017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Night Gallery, Los Angeles

Tinashe2017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Night Gallery, Los Angeles

Les photographies d'Awol Erizku s'intéressent à la manière dont les personnes de couleur se représentent et sont dépeintes dans le monde de l'art, la publicité et les médias. Ses tableaux et portraits font référence à l'imagerie historique, puisent dans la haute couture, dialoguent avec la culture urbaine et évoquent l'art des maîtres anciens. Sa série d'œuvres pour Pause commerciale Fusionner ces références et styles divers, ainsi que des tropes reconnaissables, avec l'imagerie séduisante des natures mortes florales contemporaines, pour produire des photographies saisissantes qui nous incitent à examiner le pouvoir des images qui prolifèrent dans le monde d'aujourd'hui.

Cécile B.Evans (Mardis / Barclays Center)
(Né en 1983 à Cleveland, Ohio ; vit et travaille à Londres, en Angleterre)

Un souvenir peut vivre2017.
Vidéo, couleur, sans son
Modélisation 3D par Hossein Diba ; rendus additionnels par Andres Parody et Tom Kemp ; animation et compositing par Otavio Lima et Tom Kemp. Animation originale des personnages : [Nom de l'artiste]. Ce que désire le cœur, 2016, co-commande de la 9e Biennale de Berlin, du Musée De Hallen Frans Hals, de la Kunsthalle Winterthur et de la Kunsthalle Aarhus.
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Emanuel Layr, Vienne

Un souvenir peut vivre est l'histoire des origines de Ce que désire le cœur, l'installation vidéo de Cécile B. Evans de 2016 commandée par la 9e Biennale de Berlin. Ce que désire le cœur explore ce que pourrait signifier être humain dans le futur, et ce qui constitue « une personne ». HYPER, le narrateur de Ce que désire le cœurElle se présente comme un nouveau système, introduisant les spectateurs à un futur appelé « après k », et propose une solution à l'effondrement du Web. Un souvenir peut vivreHYPER présente un message d'intérêt public pour une page blanche : une page de document vierge et modifiable où les utilisateurs peuvent rassembler leurs idées, entamer de nouvelles conversations sans interfaces ni chronologies complexes.

Ed Fornieles (Mardis / LinkNYC)
(Né en 1983 à Petersfield, en Angleterre ; vit et travaille à Montréal, au Canada)

Es-tu un Pepe ?2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Guerre des mèmes papa 12017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Guerre des mèmes papa 22017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Êtes-vous un Wojak ?2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Babillage2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Baragouiner2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Rabble2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

bavardage2017.
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

Des installations aux sitcoms sur Facebook, Ed Fornieles entremêle les espaces en ligne et hors ligne, utilisant avatars, flux de données et tendances d'actualité pour explorer notre réalité post-numérique. Pour LinkNYC, Fornieles a créé deux séries d'œuvres destinées à susciter des conversations qui remettent en question les « bulles » politiques.

La première série d'images, qui occupe la première moitié de l'exposition, explore la récupération des mèmes comme symboles d'idéologies politiques et des groupes qu'ils engendrent. Les deux mèmes utilisés par Fornieles sont le controversé Pepe la Grenouille et Wojak, alias « Feels Guy ». Créé innocemment en 2008, l'image de Pepe a été appropriée par l'extrême droite dès début 2016, devenant synonyme du mouvement. Wojak, utilisé pour représenter des sentiments tels que la mélancolie et la solitude, a commencé à apparaître aux côtés de Pepe, victime de divers méfaits.

La deuxième série d'images—Blabla, gabble, rabble, jacassement—L'artiste annonce une série de « Conversations politiques » qu'il prévoit de lancer après l'exposition afin d'encourager un dialogue plus approfondi sur les clivages politiques. Chaque œuvre représente une position sur l'échiquier politique, de l'extrême gauche à l'extrême droite.

Les œuvres de Fornieles présentées dans cette exposition témoignent d'une époque contemporaine riche en références historiques, où les idéologies se manifestent à travers des codes, des symboles, des individus et le langage. Or, aujourd'hui, Internet constitue le vecteur privilégié de leur diffusion et de leur assimilation.

GCC (Jeudis / Barclays Center)
Nanu Al-Hamad (né en 1987 à Koweït, Koweït ; réside à New York, États-Unis), Khalid Al Gharaballi (né en 1981 à Koweït, Koweït ; réside à Koweït, Koweït), Abdullah Al-Mutairi (né en 1990 à Koweït, Koweït ; réside à New York, États-Unis), Fatima Al Qadiri (née en 1981 à Dakar, Sénégal ; réside à New York, États-Unis), Monira Al Qadiri (née en 1983 à Dakar, Sénégal ; réside à Beyrouth, Liban), Aziz Al Qatami (né en 1979 à Koweït, Koweït ; réside à Koweït, Koweït), Barrak Alzaid (né en 1985 à Koweït, Koweït ; réside à Dubaï, Émirats arabes unis), Amal Khalaf (née en 1982 à Singapour ; réside à Londres, Angleterre)

Ma vision2017.
Vidéo numérique
Avec l'aimable autorisation des artistes

Fondé en 2013 dans le salon VIP d'Art Dubai, le collectif GCC explore la culture contemporaine de la région du Golfe persique. Diffusées sur l'« Oculus » du Barclays Center, des images numériques de portraits à l'huile des membres du GCC les placent dans le rôle de « Baba », ou Père, titre souvent employé par les dirigeants politiques du Moyen-Orient. Leurs yeux peints reproduisent les variations du regard que l'on retrouve dans les portraits traditionnels de chefs d'État, du leader visionnaire au regard punitif d'un dictateur. Le regard de Big Baba est toujours scrutateur.

David Horvitz (Mercredis / LinkNYC)
(Né en 1981 à Los Angeles, Californie ; vit et travaille à Los Angeles, Californie)

Pour Kiyoko, de la part d'Amache2017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Chert Lüdde, Berlin

David Horvitz travaille avec différents médias, utilisant souvent de manière poétique les systèmes de circulation pour analyser les schémas de mouvement. Il collecte puis diffuse des images et des objets par divers moyens, d'Internet aux bibliothèques.

Sur les bornes interactives de LinkNYC, Horvitz présente une simple image d'un ciel nocturne, accompagnée d'un court texte qui interpelle directement le spectateur – une référence aux slogans publicitaires. Cependant, loin d'être anodin, ce texte évoque avec émotion sa grand-mère, internée dans un camp aux États-Unis. Ces camps ont fonctionné pendant quatre ans après le bombardement japonais de Pearl Harbor en 1941 et ont détenu entre 110 000 et 120 000 Américains d'origine japonaise. Leur création faisait suite à de nombreuses lois d'exclusion qui interdisaient de fait toute immigration en provenance des pays asiatiques, notamment du Japon et de la Chine. Cette œuvre, à la fois personnelle et universelle, nous rappelle avec justesse et émotion l'importance de se souvenir du passé, surtout lorsqu'il s'agit de construire l'avenir.

Mary Reid Kelley et Patrick Kelley (Lundis / Times Square)
(Mary Reid Kelley : née en 1979 à Greenville, Caroline du Sud ; vit et travaille à Olivebridge, New York)
(Patrick Kelley : né en 1969 à Bloomington, Minnesota ; vit et travaille à Olivebridge, New York)

Viande de Crète2016.
Vidéo HD, sans son, éditée à partir de Pasiphaé de Swinburne (2014)
Avec l'aimable autorisation des artistes, de la galerie Pilar Corrias et de Fredericks & Freiser

Mary Reid Kelley et Patrick Kelley créent des vidéos en noir et blanc, riches en références historiques, qui explorent la condition féminine à travers l'histoire en mêlant poésie aux jeux de mots subtils, personnages fictifs et environnements utopiques. Leur nouvelle vidéo s'intitule Viande de Crète, adapté de leur ouvrage de 2014 Pasiphaé de SwinburneCette vidéo, qui mêle l'Antiquité classique à la culture populaire, est projetée à Times Square et devient une satire de la publicité, mettant en lumière les particularités du désir.

Heather Phillipson (Mercredis / Times Square)
(Né en 1978 à Londres, en Angleterre ; vit et travaille à Londres, en Angleterre)

QUELS SONT LES DÉGÂTS ?2017.
Vidéo HD
Courtoisie de l'artiste

Les vidéos et installations sculpturales d'Heather Phillipson sont un déferlement d'images, de sons, de couleurs et de mots qui, ensemble, forment des digressions poétiques complexes sur notre époque contemporaine. QUELS SONT LES DÉGÂTS ? Elle transmet l'énergie et l'émotion de la contestation politique. L'œuvre juxtapose des représentations de destruction — animaux écorchés vifs, billets de banque volants, sols fracturés, ciels ensanglantés, drones, guerre, chair de poule, os de poulet et reins tournoyants — pour refléter un moment chaotique et urgent sur Times Square.

Agnieszka Pologne (Dimanches / Barclays Center)
(Né en 1985 à Lublin, en Pologne ; vit et travaille à Berlin, en Allemagne)

Le soleil qui pleure2017.
Vidéo numérique
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Zak | Branicka Gallery, Berlin

Les vidéos d'Agnieszka Polska partent souvent de documents trouvés, allant de photographies d'archives à des illustrations, qu'elle manipule par l'animation et le collage. Ses sujets s'inspirent d'événements et de personnages du passé pour montrer comment l'histoire peut être romancée, effacée ou réécrite.

Le soleil qui pleure est un film d'animation inspiré du poème pour enfants Ce que le soleil a vuCe poème, de Maria Konopnicka, figure influente du positivisme polonais du XIXe siècle, traductrice, journaliste et militante progressiste pour les droits des femmes et l'indépendance de la Pologne, aborde fréquemment la pauvreté et l'oppression des paysans. Il décrit, avec une candeur enfantine, la vie quotidienne à la campagne, ses rituels et ses activités, tels que le soleil les perçoit. Dans la vidéo de Polska, le soleil, d'abord éclatant et enfantin, se met à pleurer, métaphore puissante de la souffrance du spectateur passif, impuissant à agir.

Hayal Pozanti (Quotidien / Westfield World Trade Center)
(Né en 1983 à Istanbul, en Turquie ; vit et travaille dans le Queens, à New York)

TENDRESSE INÉBRANLABLE2017.
19 animations vidéo monocanal
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Jessica Silverman

Dans le cadre de sa pratique artistique, Hayal Pozanti a conçu un alphabet énigmatique de formes abstraites qu'elle exprime à travers des peintures multicolores et des images numériques. Ses variations sur ces 31 signes mettent en lumière le rôle de la technologie et du langage dans la culture, ainsi que la manière dont l'information est transmise et reçue à l'ère du numérique et des données. Leurs combinaisons soulignent les différences entre l'être humain et l'intelligence artificielle, mettant ainsi en évidence la valeur des émotions et les points communs qui nous unissent en tant qu'espèce. TENDRESSE INÉBRANLABLE, qui a été commandé par Public Art Fund Sur les 19 écrans numériques du Westfield World Trade Center, une œuvre de l'artiste apparaît dans le cycle publicitaire, créant un contraste saisissant entre langage familier et langage inconnu. Son alphabet de formes flotte en arrière-plan, tandis que sa traduction anglaise épelle les mots « RELENTLESS TENDERNESS » (TENDERNESS INTENTIONNELLE), qui défilent sur l'écran. Cette expression profondément humaine nous distingue de l'intelligence artificielle et souligne la valeur des émotions et ce qui nous unit en tant qu'espèce. Elle fait écho au plaidoyer de l'artiste pour la tolérance, la compréhension et l'empathie dans le monde d'aujourd'hui.

Tabor Robak (Vendredis / Barclays Center)
(Né en 1986 à Portland, Oregon ; vit et travaille à Brooklyn, New York)

Démo liquide2016.
Vidéo numérique
Courtoisie de l'artiste

Les images et vidéos générées par ordinateur de Tabor Robak fusionnent animation 3D, jeux vidéo et langage marketing pour créer une tension instructive entre réalité et simulation. Pour « Oculus » au Barclays Center, Robak a utilisé une méthode novatrice afin de créer cette œuvre colorée. L'artiste a animé des motifs de mouvement algorithmiques issus de jeux vidéo et les a transformés en tourbillons de couleurs éclatantes qui emplissent l'écran et métamorphosent l'impressionnant écran à 360 degrés en un flux dynamique de couleurs liquides qui enveloppe le public.

Jacob Satterwhite (Mercredis / Barclays Center)
(Né en 1986 à Columbia, Caroline du Sud ; vit et travaille à New York, État de New York)

L'espace sûr2017.
Animation vidéo
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Moran Bondaroff

Les vidéos de Jacolby Satterwhite, inspirées par la science-fiction, explorent la mémoire et l'histoire personnelle à travers la performance et l'animation 3D. Sa nouvelle œuvre pour le Barclays Center présente une vidéo en réalité virtuelle à 360 degrés. Ce décor futuriste met en scène un paysage extraterrestre composé de machines tourbillonnantes et lumineuses et de silhouettes dansantes, captivant les spectateurs par son pouvoir d'immersion.

Martine Syms (Vendredis / Times Square)
(Né en 1988 à Los Angeles, Californie ; vit et travaille à Los Angeles, Californie)

Leçon LXXV2017.
Vidéo numérique
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Bridget Donahue

Profondément influencée par le cinéma et la télévision, l'œuvre multimédia de Martine Syms examine les représentations de la négritude et leurs liens avec la sitcom américaine, le langage, le cinéma et les mouvements féministes. Sa nouvelle vidéo, Leçon LXXV, est une continuation de sa série en cours qui a commencé avec la création par l'artiste de publicités sur les « leçons » décrites dans le livre en prose de Kevin Young, L'Album Gris : Sur la noirceur du noirAlors que précédemment Cours ont présenté des vidéos personnelles et trouvées, et pour Times Square, Syms a créé un autoportrait poignant mais inquiétant, aux connotations chargées.

Britta Thie (Vendredis / LinkNYC)
(Né en 1987 à Minden, en Allemagne ; vit et travaille à Berlin, en Allemagne)

Le SuperhostBande-annonce, 2017
Vidéo numérique
Courtoisie de l'artiste

Le SuperhostAffiche, 2017
Image digitale
Courtoisie de l'artiste

L'anxiété frappe2013.
Image numérique,
Photo de Kerstin Zu Pan ; stylisme de Julia Burlingham. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Le travail de Britta Thie explore la condition humaine à travers les feuilletons, la publicité et la relation complexe et fluctuante entre le soi et sa représentation numérique. Sa websérie en six parties, Transatlantique, a mis en scène les caractéristiques des millennials, à travers leurs personnalités en ligne, et la fluidité de l'identité et de la nationalité.

Pour les bornes LinkNYC, Thie diffuse une publicité pour sa prochaine série dérivée. Le SuperhostSituée dans un appartement Airbnb fictif, cette comédie dramatique satirique explore l'auto-marchandisation post-numérique, facilitée par les systèmes de notation en ligne. La sitcom a été jouée devant un public en juin 2016, et les enregistrements des répétitions ont constitué la websérie finale, enrichie d'animations et de rires enregistrés correspondant au nombre d'étoiles. La série sera diffusée en mars 2017 sur ARTE.TV. Pour plus d'informations, rendez-vous sur the-superhost.com

Hannah Whitaker (Samedis / LinkNYC)
(Né en 1980 à Washington, D.C. ; vit et travaille à New York, NY)

Étape 12017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie M+B

Étape 22017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie M+B

Étape 32017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie M+B

Étape 42017.
Image digitale
Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie M+B

Hannah Whitaker commence à créer ses photographies avec une technique qui, sans recourir aux pixels numériques, évoque les premières cartes perforées des ordinateurs, permettant le traitement des données. Elle crée une série d'écrans qui, section par section, exposent ses sujets sur la pellicule. Grâce à ce processus méticuleux et répétitif, elle a créé un ensemble d'images pour Pause commerciale Des corps en mouvement, encadrés par des formes géométriques colorées, composent ses œuvres. Elle utilise ainsi les techniques du traitement numérique de l'information et d'une animation rudimentaire pour créer des photographies saisissantes qui évoquent les technologies numériques historiques. Celles-ci font référence aux pionniers novateurs du graphisme et de la publicité, dans une démarche itérative qui insuffle une touche de fantaisie et de couleur à notre dynamisme urbain.