Salle des trains Moynihan

Public Art Fund Invitée par Empire State Development à concevoir et diriger un ambitieux programme d'installations artistiques pour trois sites emblématiques du Train Hall, l'agence a, dans le respect de l'intégration architecturale du bâtiment rénové, mêlant ancien et nouveau. Ce programme a commandé à trois artistes de renommée internationale des œuvres monumentales, conçues spécifiquement pour le lieu, qui explorent les notions de passé, de présent et d'avenir. Ces commandes, très différentes, réalisées par Stan Douglas, Elmgreen & Dragset et Kehinde Wiley, témoignent de l'ingéniosité et de la vision de chaque artiste.

Stan Douglas a puisé dans l'histoire de la gare Penn Station d'origine, insufflant une vie picturale saisissante à des récits de différentes époques grâce aux technologies numériques les plus avancées. Elmgreen & Dragset ont donné vie à une métropole mondiale imaginaire, sculptée à l'envers, qui rayonne de l'énergie urbaine irrésistible de la ville. S'inspirant des plafonds à fresques classiques et utilisant des vitraux illuminés, Kehinde Wiley a adapté les mouvements du breakdance – une forme née dans les rues du Bronx – en une allégorie lyrique de l'expression humaine dynamique. Caractérisées par des juxtapositions audacieuses d'ancien et de moderne, ces œuvres sont emblématiques de l'innovation et de la transformation constantes qui sont l'essence même de New York. Captivantes et puissantes chacune à leur manière, elles puisent leur inspiration dans le riche patrimoine new-yorkais, la diversité et le talent de ses habitants, ainsi que dans son esprit créatif. Ensemble, elles confèrent une dimension artistique éblouissante au caractère civique et généreux du Moynihan Train Hall.

Depuis la fin des années 1980, Douglas utilise la photographie, le film et le théâtre pour repenser l'histoire et les moyens de sa documentation, qui façonnent sa place dans notre mémoire collective. Fruit d'une recherche historique exhaustive, les œuvres de Douglas mettent en lumière des événements méconnus, propres à un lieu particulier. Il s'attache souvent à des moments intimes et localisés, empreints de spectacle et d'émotion, qui témoignent de mutations sociétales plus vastes. En reconstituant ces événements, Douglas fait consciemment référence aux technologies qu'il emploie pour leur donner vie. Le demi-siècle de Penn StationLes représentations d'artistes de vaudeville, de décors hollywoodiens et de campagnes publicitaires sous forme de fresques photographiques font écho à la démarche artistique de Douglas, suggérant que la documentation photographique peut être un médium aussi bien fantastique que réaliste. Conçues spécifiquement pour les quatre niches architecturales qui ornent le mur du fond de la Salle d'attente payante, les neuf scènes individuelles sont reliées par de multiples fils narratifs et révèlent des détails subtils qui se dévoilent à l'examen attentif. Le demi-siècle de Penn Station Il s'agit de la première commande publique permanente de l'artiste aux États-Unis.

Stan Douglas (né en 1960 à Vancouver, Canada ; vit et travaille à Vancouver)
Le demi-siècle de Penn Station2020.
Encre céramique sur verre
Neuf panneaux photographiques installés dans quatre niches : chaque niche mesure 2,02 m (H) x 6,77 m (L) x 1,3 cm (P).
Commandé par Empire State Development en partenariat avec Public Art Fund

Intituler l'œuvre The HiveLes artistes suggèrent un lien entre les structures naturelles et les constructions humaines, à l'image de l'architecture complexe et évolutive d'une ruche. Ils comparent également les bâtiments suspendus au plafond à des stalactites lumineuses, rendant hommage aux villes modernes et nous rappelant nos origines troglodytes. À la fois familière et étrangère, cette représentation hybride et insolite d'un centre urbain met en lumière la mondialisation de l'architecture et évoque l'influence et l'interconnexion des grandes métropoles. Telle une image inversée du paysage urbain situé juste derrière les portes du hall de la gare, The Hive exprime l'idée par excellence de New York comme un creuset où les cultures, les nationalités et les ethnies coexistent pour devenir plus que la somme de leurs parties.

Depuis 1995, Elmgreen & Dragset créent des sculptures et des installations qui invitent à porter un regard neuf sur les structures et les systèmes qui régissent nos vies. Leurs œuvres transposent et déplacent des objets du quotidien dans des agencements et des contextes inattendus, souvent avec un humour subversif. Par la recontextualisation du familier, les artistes transforment les éléments quotidiens de notre environnement – ​​distributeurs automatiques de billets, canalisations d'égouts, piscines de banlieue – suscitant de nouveaux récits et activant des associations avec des tensions sociétales plus larges. La stratégie de déplacement d'Elmgreen & Dragset modifie fondamentalement notre perception de notre environnement et s'oppose souvent aux notions de conformité au sein de nos environnements bâtis et socioculturels. Dans la continuité de leur pratique et en dialogue visuel avec leurs œuvres Champignons Magiques de Géographie (2015) et avec la La ville dans le ciel (2019), The Hive Elle nous offre une relation perceptive et spatiale surprenante avec un paysage familier : la silhouette urbaine. La stature imposante des gratte-ciel inversés est à la fois saisissante et fascinante. Elle évoque l’attrait magnétique des villes et l’urbanisation constante de notre monde. Avec des bâtiments atteignant 2,7 mètres de haut et intégrant plus de 1.3 km de ruban LED, il s’agit de l’une de leurs installations les plus complexes sur le plan technique. The Hive il s'agit de la première sculpture publique permanente des artistes à New York.

Elmgreen & Dragset
Michael Elmgreen (né en 1961 à Copenhague, Danemark ; vit et travaille à Berlin, Allemagne), Ingar Dragset (né en 1969 à Trondheim, Norvège ; vit et travaille à Berlin, Allemagne)
The Hive2020.
Acier inoxydable, aluminium, polycarbonate, éclairage LED et laque
45 pi 5 po L x 22 pi 5 po l x 12 pi P
Commandé par Empire State Development en partenariat avec Public Art Fund

Au cours des deux dernières décennies, Wiley s'est fait connaître pour ses peintures d'un naturalisme saisissant représentant des personnes noires et métisses dans des poses et des formats puisés dans le canon de l'histoire de l'art occidental. Il a souvent invité de jeunes gens rencontrés dans les centres urbains du monde entier à adopter une pose de leur choix parmi les portraits des maîtres anciens européens, soulignant ainsi les histoires sociopolitiques complexes et persistantes qui ont déterminé l'exclusion des personnes de couleur d'une grande partie de l'histoire de l'art. Ces dernières années, Wiley a étendu sa pratique aux genres de la statue et du monument public, ainsi qu'à l'art du vitrail. L'œuvre en trois parties, rétroéclairée, répond avec finesse à son contexte architectural, faisant écho aux puits de lumière du Moynihan Train Hall et intégrant des détails de la ferronnerie ornementale de la façade du bâtiment dans les moulures élaborées qui encadrent la composition. Go il s'agit de sa première installation permanente en verre, conçue spécifiquement pour un lieu donné.

Kehinde Wiley (né en 1977 à Los Angeles, Californie ; vit et travaille à New York et à Dakar, Sénégal)
Go2020.
Vitrail avec cadre en aluminium, moulure en plâtre, structure en acier et panneau lumineux LED
17 pi 6 po L x 55 pi 8 po l x 10 po P
Commandé par Empire State Development en partenariat avec Public Art Fund