Oscar Tuazon Personnes

L'art d'Oscar Tuazon associe généralement matériaux industriels et naturels pour métamorphoser l'expérience d'un bâtiment ou d'un espace. L'utilisation brute de matériaux et l'esprit du « fait maison » qui caractérisent son travail repoussent les limites des objets et de l'architecture : des poutres de bois sont sanglées contre des charpentes, des arbres côtoient des formes en béton coulé et des montants métalliques sont articulés sur des plaques de plâtre.

Pour Brooklyn Bridge Park, Tuazon (né en 1975 à Seattle, Washington) a créé trois sculptures liées entre elles. Inspirées par l'ingéniosité des quartiers urbains, ces structures proposent des variations sculpturales sur des thèmes familiers liés aux aires de jeux. Installées le long des quais 1 et 2, chaque œuvre s'anime au contact de son usage quotidien : un arbre se transforme en fontaine ; un mur de handball improvisé est maintenu droit par un tronc d'arbre qui sert également de panier de basket ; et un cube de ciment percé d'un arbre encadre le paysage environnant et fait écho aux quais d'origine du front de mer. L'œuvre de Tuazon explore avec inventivité les aspects fondamentaux de la sculpture tels que l'équilibre, le volume et le poids. Parallèlement, son installation instaure un dialogue ludique entre les formes construites et naturelles, sur fond de la silhouette de Manhattan.

Oscar Tuazon : Les gens est organisé par Andria Hickey.

Andria Hickey : Souvent, la création de vos œuvres passe par un processus d’improvisation ou d’expérimentation. Pour cette série, les œuvres ont été planifiées bien plus tôt. Cela vous amène-t-il à réfléchir davantage à la dimension utilitaire et ludique de ces œuvres ? Pouvez-vous nous parler de la façon dont vous les avez conçues ?

Oscar Tuazon : L'une des choses auxquelles je pensais, bien sûr, était de créer des espaces pour les gens. Pour moi, chaque œuvre a un caractère improvisé, non pas dans sa fabrication, mais dans le fait qu'elle sera « complétée » par d'autres personnes et vécue de multiples façons. L'aspect utilitaire des œuvres est particulièrement intéressant. C'est une manière pour elles de se révéler et de disparaître. J'aime l'idée que, de loin, on puisse les percevoir comme des sculptures, mais que, si l'on s'assoit sur la structure ou que l'on y joue au basket, cette perception n'a plus lieu d'être.

AH : Comment le fait de travailler en extérieur, dans un lieu comme le parc du pont de Brooklyn, modifie-t-il votre processus créatif ? Travailler en dehors du cadre architectural engendre-t-il de nouveaux problèmes ?

OT : Il est vrai que travailler en extérieur est très différent de travailler contre un espace architectural. Le parc n’est ni le reflet d’une position idéologique particulière, ni l’incarnation d’une institution. Un parc est sans doute l’espace le plus libre qui soit en ville. D’un côté, j’ai ressenti une véritable libération dans le contexte du parc, et je pense que cela se ressent dans mon travail : les œuvres ont un aspect ludique. Mais d’un autre côté, le site est tellement imposant ; je travaillais contre toute la skyline de Manhattan. Je voulais donc créer quelque chose à échelle humaine.

AH : Ces œuvres rappellent certains jeux improvisés que nous avons tous inventés à un moment ou un autre : une cabane entre deux immeubles, une cabane perchée contre un arbre plutôt que dedans, un panier de basket fait maison, une construction pour jouer à la balle au prisonnier… Ces œuvres semblent s’inscrire dans vos idées de liberté et d’autonomie, avec une approche simple et artisanale à laquelle beaucoup peuvent s’identifier. Comment percevez-vous le lien de ces œuvres avec cette démarche ?

OT : Je travaille rarement avec des références précises, mais comme il s’agit d’un projet public à Brooklyn, je n’ai pu m’empêcher d’être inspirée par le caractère spontané de l’espace public dans cette ville : la façon dont les gens la réinventent et la renouvellent sans cesse. Quand je pense à la créativité qui s’exprime dans les rues de Brooklyn, je suis vraiment touchée, et c’est quelque chose que je voulais intégrer littéralement dans les œuvres elles-mêmes. J’espère qu’elles seront adaptées, détournées, réinventées.

AH : Les « sculptures qui fuient », ou œuvres qui repoussent les limites de leur fonction, sont mentionnées dans plusieurs textes consacrés à votre travail. Or, à Brooklyn Bridge Park, on trouve précisément une sculpture qui fuit : une fontaine jaillissant du sommet d’un tronc d’arbre. Cette œuvre semble plus porteuse d’espoir, ou plus intentionnelle, en tant que fontaine, plutôt qu’en tant qu’objet domestique ou architectural qui s’étend jusqu’à fuir. Comment percevez-vous cette idée ? Une machine (2012) par rapport à ces travaux antérieurs ?

OT : Je ne sais pas si les connotations d’un processus matériel sont vraiment si claires, et c’est justement ce qui m’intéresse dans ce genre de problématiques. La fontaine aura sans doute un aspect porteur d’espoir, voire absurde par moments – mais ensuite, l’arbre commencera à pourrir, des animaux s’y installeront, la mousse y poussera, et il gèlera en hiver. Parfois, elle semblera probablement pitoyable, délabrée, en ruine. Mais c’est un être vivant, et je pense que c’est justement ce qui la rendra si intéressante : non pas comme quelque chose qu’on va voir une seule fois, mais comme quelque chose auquel on revient, qui apparaît légèrement différent à chaque visite, comme un ami.