Terminal B de l'aéroport LaGuardia

Des dizaines de sculptures en acier colorées et réfléchissantes, en forme de ballons, créées par l'artiste Jeppe Hein, sont disséminées dans le terminal B, comme lâchées dans les airs et flottant jusqu'au plafond, défiant la gravité. Dispersées à chaque coin de rue, telles des miettes de pain d'un conte de fées, ces créations ludiques et originales invitent les visiteurs à lever les yeux au ciel et à s'émerveiller. Au niveau du sol, les bancs-sculptures, à la fois spirituels et fantaisistes, réinventent un siège public familier, transformant un objet fonctionnel en une œuvre d'art poétique et évocatrice. Trois bancs rouge vif, aux courbes, boucles et torsions harmonieuses, invitent irrésistiblement à l'expression spontanée et aux échanges. Offrant un moment de répit à d'innombrables voyageurs, ces bancs proposent de nouvelles perspectives sur nous-mêmes, sur les autres et sur les espaces que nous partageons.

Depuis plus de vingt ans, Hein crée des sculptures et des installations qui interrogent le rapport traditionnel entre l'œuvre d'art et le spectateur. Prenant souvent la forme d'interventions dans l'espace public, ses installations fusionnent le conceptuel et l'expérientiel et s'activent grâce à la participation des visiteurs. Dans son travail, des matériaux en apparence simples et familiers – textes, miroirs, eau, coups de pinceau et objets utilitaires et décoratifs courants – sont introduits dans des contextes inattendus ou dotés de comportements singuliers. Ces juxtapositions ironiques suscitent des réactions de surprise et d'émerveillement qui nous incitent à envisager de nouvelles façons d'appréhender le monde et nous-mêmes. Caractéristiques de la pratique de Hein, les deux formes de « sculpture sociale » installées dans le Terminal B ont été conçues avec une intention sincère : susciter la joie, modifier les perceptions, ouvrir le spectateur à de nouvelles expériences et créer les conditions propices à des moments d'empathie et de partage au cœur de l'effervescence d'un nœud de transport animé. L'esthétique épurée des objets de Hein s'inspire des traditions du minimalisme et de l'art conceptuel des années 1970. Malgré leur simplicité formelle, chacune de ses œuvres est réalisée artisanalement selon des procédés techniques rigoureux et exigeants. Hein vit et travaille à Berlin.

Pour plus d'informations sur Jeppe Hein, veuillez consulter son site web. www.jeppehein.net

(né en 1974 à Copenhague, Danemark)
Tous vos souhaits2020.
Installation de 70 ballons miroirs (acier inoxydable revêtu PVD) et de 3 bancs sociaux modifiés (aluminium revêtu de poudre).
Ballons : 40 cm (hauteur) x 28 cm (largeur) x 28 cm (profondeur) chacun
Bancs : A) 76 cm (h) x 231 cm (l) x 127 cm (p) ; B) 168 cm (h) x 540 cm (l) x 163 cm (p) ; C) 84 cm (h) x 168 cm (l) x 41 cm (p)
Commandé par LaGuardia Gateway Partners en partenariat avec Public Art Fund

Jeppe Hein remercie chaleureusement son studio (Stephan Babendererde, Robert Banovic, Lutz Herrmann) et VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

L'artiste Sabine Hornig La Guardia Vistas Cette œuvre bouleverse notre perception du paysage urbain. Son collage photographique transparent recouvre une vaste façade de verre, laissant la lumière du soleil plonger les visiteurs dans un kaléidoscope de couleurs, d'images et de textes tandis qu'ils traversent le Connector. La composition, d'une grande précision, fusionne plus de 1 100 photographies de New York en deux paysages urbains imbriqués. Les immeubles, aux teintes bleutées du crépuscule, s'élèvent jusqu'aux sommets de gratte-ciel inversés qui reflètent les rayons dorés du soleil levant. Le titre de l'œuvre fait référence à Fiorello La Guardia, fondateur de l'aéroport et maire de New York de 1934 à 1945. Hornig a inclus 20 citations de et sur La Guardia, nous rappelant le pouvoir d'un leadership visionnaire pour façonner notre environnement commun.

Depuis trois décennies, Hornig combine photographie, sculpture et installation pour créer des images et des environnements qui plongent le spectateur dans un monde réinventé. Ses œuvres explorent la tension entre la surface et l'espace tridimensionnel, traitant souvent des matériaux architecturaux transparents comme le verre simultanément comme surface, sujet et portail. Les compositions denses de Hornig, constituées de collages, superposent des perspectives photographiques divergentes pour révéler de nouveaux territoires perceptifs et conceptuels. En superposant des images chargées de sens culturel et politique, elle examine les structures et les histoires qui continuent de façonner notre expérience collective. La Guardia VistasDans sa plus grande installation à ce jour, Hornig a utilisé l'appareil photo à la plus haute résolution disponible sur le marché pour capturer à la fois des détails architecturaux infimes et des instants éphémères de la vie new-yorkaise. Sa représentation réinventée du paysage urbain intègre ses recherches sur la vie et l'héritage de Fiorello La Guardia dans une image monumentale unique qui interroge les notions de temps, de lieu, d'histoire et de mémoire. Hornig vit et travaille à Berlin.

Pour plus d'informations sur Sabine Hornig, veuillez consulter son site web.

http://www.sabine-hornig.de

(né en 1964 à Pforzheim, en Allemagne de l'Ouest)
La Guardia Vistas2020.
Encre latex et vinyle montés sur verre
42 pi de hauteur x 268 pi de largeur
Commandé par LaGuardia Gateway Partners en partenariat avec Public Art Fund

Textes cités avec l'aimable autorisation de :

Ronald H. Bayor, Fiorello La Guardia : ethnicité, réforme et développement urbain. Hoboken, New Jersey : Wiley, 2018 ; Alyn Brodsky, Le Grand Maire : Fiorello La Guardia et la construction de la ville de New YorkNew York : St. Martin’s Press, 2003 ; Collection Fiorello H. La Guardia, Archives La Guardia et Wagner, La Guardia Community College, CUNY, Long Island City, NY ; The New York Times Machine à remonter le temps; Daniela Rossini, Woodrow Wilson et le mythe américain en ItalieCambridge, MA : Harvard University Press, 2008 ; Mason B. Williams, Ville d'ambition : Roosevelt, La Guardia et la construction du New York moderne. New York : WW Norton, 2013.

Sabine Hornig remercie chaleureusement Arnold Dreyblatt, Markus Hannes, Bettina Hertrampf, Dirk Lebahn, Hilette Lindeque, Mark Pokorny, Martin Rossmann, Annette Überlein, Edye Weissler, ColorX (Serhat Cokuk, Gary Teich), Grieger GmbH (Jörg Lotz, Ute Zeise), Phase One, Heinz Papst, The Municipal Archives New York, The New York Times Archive, The Public Bibliothèque, Ronald H. Bayor, Adrian Benepe, Joel Draper, Thomas Kessner, Mason B. Williams et Tanya Bonakdar Gallery New York-Los Angeles.

La mosaïque murale de Laura Owens exploite chaque courbe, chaque angle et chaque plan du plus grand mur intérieur de l'aéroport, le transformant en une célébration de New York. Sur un ciel d'un bleu éclatant parsemé de nuages ​​illustratifs, Owens représente des dizaines d'images emblématiques dans un motif qui évoque le potentiel que New York suscite dans l'imaginaire collectif. Représentant les œuvres d'art publiques historiques de la ville, ses monuments emblématiques, ses spécialités culinaires et ses scènes du quotidien, la fresque inclut également de nombreux symboles du vaste réseau de transports en commun qui les relie. Cette œuvre colossale synthétise son style pictural unique avec le savoir-faire artisanal de la céramique faite main et le langage visuel de l'imagerie numérique. Cette composition dynamique se transforme selon notre point de vue : les images reconnaissables vues de loin deviennent des abstractions quadrillées lorsqu'on les observe de près, se fondant dans des couleurs impressionnistes et des aperçus flous de notre ville imaginaire.

Depuis la fin des années 1990, Owens adopte une approche picturale à la fois variée et expérimentale, puisant son inspiration dans un large éventail de sources, de l'avant-garde à la culture populaire en passant par l'art décoratif. Elle s'est fait connaître en bouleversant avec irrévérence l'histoire et les conventions formelles de la peinture, s'appropriant et recombinant techniques et motifs issus des beaux-arts, de l'art populaire, de la culture pop et des technologies numériques. Les toiles d'Owens questionnent fréquemment les frontières entre espace pictural et espace physique en dialoguant avec leur contexte architectural. Ces dernières années, elle a de plus en plus recours à divers médiums dans des installations immersives qui explorent la construction et la réception de la culture visuelle contemporaine. I🍕NY Il s'agit de la première mosaïque de carreaux d'Owens, ainsi que de sa plus grande œuvre à ce jour. Ayant vécu à New York à différentes périodes au cours de ses 25 ans de carrière, l'hommage iconographique d'Owens embrasse des œuvres allant du universellement reconnaissable à la grande portée artistique, en passant par des pièces profondément personnelles. Owens vit et travaille à Los Angeles.

Pour plus d'informations sur Laura Owens, veuillez consulter son site web. www.owenslaura.com

(né en 1970 à Euclid, Ohio)
I🍕NY2020.
Carreaux de céramique émaillée faits à la main et joints
67'10” h x 566'3” l x 28'11” p
Commandé par LaGuardia Gateway Partners en partenariat avec Public Art Fund

Laura Owens remercie chaleureusement son studio (Amy Baumann, Dave Berezin, Elliot Kaufman, Nic Seago Burrier, Ben Carlson), le siège social de Sadie Coles, Londres (Sadie Coles, Laura Lord), l'entreprise de Gavin Brown (Gavin Brown, Ivan Guytan), Tania Garbe, BRB Tile/Local 7 NY/NJ (Bill Lardieri, Ed Conners, Chris Burden, Joe Dimauro, Mike Ferrante, Armenio Gomes, Marty Matesic, Leonardo Pazos, Feris Roci, Sebastian Rodriguez Chanquet, Jon Shenefield, Giuseppe Troia, Akini Williams, Akini Williams Jr.), Dry Lay Team (Olga Rudenko, Laura Morrison, JJ Ariosa, Cat Baldwin, AnnaLiisa Ariosa-Benston, Elise Duryee-Browner, Lili Garcia, Katherine Forst, Samuel Kim, Lizzy Myers, Hayley Nichols, Michelle Rich, Amy Ritter, Madelyn Rivera, Sophia Starling), Matthieu Au, Fireclay Tile (Eric Edelson, Caitlyn Child, Nick Cordova, Katherine Lee) et le Lenape Center (Hadrien Coumans, Joe Baker).

Cette sculpture monumentale de l'artiste Sarah Sze évoque le passage du temps à travers une constellation complexe de photographies. Des centaines d'images forment une sphère onirique qui semble flotter dans les airs. Chaque photographie capture un instantané du ciel de New York, pris au cours d'une journée. Ensemble, elles retracent un voyage cyclique, du jaune pâle de l'aube aux bleus éclatants du jour, en passant par l'orange crépusculaire du crépuscule et le violet de minuit. À l'image de la Terre, le globe de Sze est fragile et se dévoile progressivement au fur et à mesure que l'on en fait le tour. Plus court qu'une journée Cette œuvre est une méditation sur la permanence et la fugacité qui incarne l'essence du poème d'Emily Dickinson dont elle tire son nom. Sze donne forme à l'idée exprimée dans ce vers puissant : « Nous avons dépassé le soleil couchant / Ou plutôt — Il nous a dépassés. »

Depuis la fin des années 1990, Sze explore, à travers une grande variété de médiums, l'intersection de l'information, de la technologie, de la matérialité et du temps. Dans ses sculptures, elle conçoit des assemblages complexes à partir d'objets du quotidien, maintenus ensemble dans un équilibre délicat, comme perpétuellement au seuil de la métamorphose. Les œuvres de Sze sont une étude des contrastes – plan et volume, immobilité et mouvement, organisation et chaos – dont l'opposition et l'attraction simultanées créent une tension magnétique. Bien que d'une construction précise, ses installations de grande envergure expriment une impression organique et cinétique, émergeant comme un geste évocateur à travers l'espace. Plus court qu'une journée Il s'agit de la sculpture la plus imposante et la plus complexe que Sze ait réalisée à ce jour. L'œuvre mêle subtilement l'éphémère et l'immuable tout en révélant des traces de sa fabrication : les photographies aux bords irréguliers et les fragments numérotés de ruban adhésif jaune qui en délimitent l'emplacement sont des reproductions en métal thermolaqué résistant. Ainsi, la sculpture de Sze interroge la nature fluide du temps et fonctionne comme une capsule de sa propre création. Sze vit et travaille à New York.

Pour plus d'informations sur Sarah Sze, veuillez consulter son site web. www.sarahsze.com.

(né en 1969 à Boston, Massachusetts)
Plus court qu'une journée2020.
aluminium et acier revêtus de poudre
48 pi de hauteur x 30 pi de largeur x 30 pi de profondeur
Commandé par LaGuardia Gateway Partners en partenariat avec Public Art Fund

Sarah Sze remercie chaleureusement son studio (Mike Barnett, Joell Baxter, Yu Rim Chung, Christin Graham, Marissa Graziano, Helen Lin), Amuneal (Carson Bohlen, Rob D'Amico, Colin Dees, Josh Kerner, Ray Krenicki, Kevin Schultes) et VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Élargissant notre mission principale qui consiste à présenter des expositions dynamiques d'artistes parmi les plus captivants au monde et à rendre la culture accessible à tous, Public Art FundPartenariats créatifs apporte son expertise en planification stratégique, commissariat d'exposition, gestion de projets et communication aux principales institutions culturelles, entreprises et organisations civiques du monde entier. Grâce à ces collaborations, Public Art Fund nous commandons des installations permanentes et des expositions temporaires en accord avec la vision unique de nos partenaires et les paramètres spécifiques de chaque site, ce qui donne lieu à de nouvelles œuvres d'art qui animent les espaces publics, créent des publics engagés et amplifient l'impact des initiatives de nos partenaires grâce au pouvoir de l'art public.

Public Art Fund L'agence a été invitée à collaborer avec LaGuardia Gateway Partners, promoteur et exploitant du terminal B, afin de concevoir et de mettre en œuvre un programme artistique complet pour le nouveau bâtiment. L'objectif n'était pas simplement d'intégrer des œuvres d'art existantes dans un aéroport, mais de commander à quatre artistes de renommée internationale des œuvres ambitieuses, conçues spécifiquement pour le lieu et s'intégrant pleinement à l'architecture du bâtiment. Les quatre artistes – Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens et Sarah Sze – ont été encouragés à puiser leur inspiration dans leur propre expérience de la ville de New York.