Répétitions pour la répétition

Katy Pyle
Sneaker Ballez Il s'agit d'un cours de ballet avancé. Le cours commence en utilisant l'architecture (et les sculptures) environnantes comme barres, et se poursuit dans l'espace public par des enchaînements au sol exécutés pour les arbres et les passants curieux. Rythmé par les tubes pop queer nostalgiques et parfois un peu kitsch d'hier et d'aujourd'hui, ce cours vous invite à vous concentrer sur le plaisir, la connexion et une virtuosité personnelle. La technique de la barre est inspirée par mon professeur, Janet Panetta. Portez des baskets souples qui vous permettent de tourner et de sauter.
—Katy Pyle

Participants principaux
Élie Jones
Josie Bettman
Julia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

Résumé du CV
Katy Pyle est une danseuse, chorégraphe et professeure lesbienne non binaire. Depuis 2002, elle danse professionnellement à New York, notamment pour John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy et Young Jean Lee. En 2011, elle a fondé Ballez afin de promouvoir un ballet classique plus inclusif en plaçant les expériences des personnes queer, lesbiennes, trans et non binaires au cœur de la création de ballets narratifs d'envergure, d'ateliers ouverts à tous et de débats publics. Parmi ses ballets narratifs majeurs : « The Firebird, a Ballez » (Danspace Project, 2013), « Sleeping Beauty & the Beast » (La Mama, 2016) et « Giselle of Loneliness » (The Joyce, 2021). Katy Pyle a présenté Ballez dans des établissements prestigieux tels que Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock University, Rutgers, Berea College et Swarthmore. Pyle enseigne actuellement la technique aux étudiants de premier cycle à l'Eugene Lang College et à Marymount Manhattan, ainsi qu'aux danseurs professionnels de Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Danse en ligne Soul Ce mouvement est le fruit de la création, du partage, de la pratique et de la danse collective d'innombrables communautés noires. Sur une musique R&B principalement, Pittman animera un cours ouvert à tous et guidera le public à travers 5 à 6 danses en ligne soul qu'elle a apprises au fil du temps. Nous dansons ensemble pour tisser des liens entre nous et avec l'espace que nous partageons.
—Angie Pittman

Participants principaux
Malcolm-X Betts
Nile Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

Résumé du CV
Angie Pittman est une artiste chorégraphique, créatrice et pédagogue basée à New York. Son travail a été présenté à The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research à la Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project et Roulette. Elle a eu le plaisir de collaborer avec A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis et Anita Mullin. Titulaire d'un MFA en danse et chorégraphie de l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign, avec une spécialisation en études afro-américaines, elle est également professeure certifiée de la technique Umfundalai. Son travail chorégraphique a bénéficié du soutien de la Foundation for Contemporary Arts Emergency Grant et de résidences artistiques au Tofte Lake Center, à Movement Research, à New Dance Alliance Black Artists Space to Create et à Djerrassi. Le travail de Pittman explore la manière dont le corps se meut à travers la ballade, le groove, l'éclat, la spiritualité, les chants spirituels, l'héritage ancestral, la vulnérabilité et la puissance. Elle est actuellement professeure adjointe invitée de danse au Marymount Manhattan College.

Luciana Achugar
Pratique du plaisir
Ce projet participatif s'inspire de la pratique personnelle d'Achugar, développée au fil des années de création chorégraphique comme méthode pour se déconnecter de nos mentalités et apprendre de nos corps ; une méthode d'acceptation radicale de soi, plutôt que d'imposer à nos corps des notions préconçues d'être ou de se comporter. À travers cette pratique, nous explorons comment révéler ce qui est déjà présent en nous (mais peut-être refoulé ou réprimé), et comment créer les conditions pour que cela se manifeste spontanément. La pratique du plaisir est une pratique qui consiste à déconstruire le modèle hiérarchique inculqué de l'incarnation, programmé en nous, et à se libérer de la honte qui l'accompagne, afin de révéler un soi plus libre, plus fort, décolonisé, plus authentique, plus connecté à nos instincts, à notre cœur, à nos tripes et à notre sexualité, pour célébrer le vivre-ensemble et la connexion à la terre, à nous-mêmes et aux autres.
—Luciana Achugar

Participants principaux
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

Résumé du CV
Luciana Achugar est une chorégraphe uruguayenne installée à Brooklyn. Son parcours artistique s'est développé au contact étroit des scènes de danse contemporaine new-yorkaise et uruguayenne. Elle crée à New York et en Uruguay depuis 1999. Son travail explore le monde postcolonial et vise à déconstruire les structures de pouvoir actuelles de l'intérieur. Elle a reçu deux Bessie Awards et a été nommée pour Epilogue. OTRO TEATRO : Le véritable amour (2016). Elle a reçu de nombreuses distinctions, notamment la bourse Guggenheim, la bourse Creative Capital, la bourse de la Fondation pour les arts contemporains, le financement MAP, la bourse de la Fondation Jerome, le prix Alpert 2017 et des bourses d'artiste de la NYFA. Son œuvre la plus récente, « PURO TEATRO : Un sort pour l'utopie », a débuté comme un projet en ligne sur Instagram, commandé par et pour le festival d'art temporel du Portland Institute of Contemporary Arts à l'automne 2020, et a été présentée en avant-première sous forme de performance au Chocolate Factory Theater, en collaboration avec le Skirball Center for the Performing Arts de l'Université de New York, en novembre 2021. Elle est actuellement lauréate de la bourse Doris Duke USA 2022.

Moriah Evans
Nos corps
Nous explorerons une relation spéculative à notre propre corps et à ceux des autres pour appréhender leur contenu. Les féminismes constituent le fondement d'une méthodologie de danse puisant son origine au plus profond des organes internes. Nous travaillerons avec un système perception-action à travers cinq modalités énergétiques distinctes. Nous articulerons le mouvement à partir d'une sensation individuelle, demeurant à jamais inconnue et subjective, abandonnant les représentations souvent projetées sur la surface du corps. Comment accéder aux notions de déchets corporels pour les expulser ? Nous favoriserons des expériences cathartiques vers des états de conscience modifiés, puis nous explorerons ce qui en résulte, ce qui demeure.
—Moriah Evans

Participants principaux
Lizzie Feidelson
Kris Lee
João dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
Le travail de Moriah Evans conçoit la danse et la chorégraphie comme un processus spéculatif. Explorant le mouvement à partir des mondes invisibles, mais ressentis, de la matérialité corporelle et de l'espace intérieur affectif, les projets d'Evans remettent en question les hiérarchies établies entre chair, corps, soi et sujet. S'appuyant à la fois sur des critiques féministes de la visualité et sur des pratiques chorégraphiques somatiques, l'œuvre d'Evans élargit le rapport à la danse au-delà du visible, vers différentes manières de se percevoir et de percevoir nos relations aux autres. Parmi ses œuvres récentes : REPOS (Séances sur la plage, novembre 2021) CONNARDS: Nous sommes tous des enfants illégitimes (NYU Skirball, New York City, 2019); Configurez (La Cuisine, NJ, 2018); Figurer (SculptureCenter, New York, 2018); Sois ma muse (Pace Live, New York, 2021 ; Musée Hirshhorn, Washington, DC, 2018 ; Villa Empain, Bruxelles, 2016) ; Danse sociale 9-12 : Rencontre (Projet Danspace, New York, 2015) ; Danses sociales 1 à 8 : Index (ISSUE Project Room, New York City, 2015); Une autre représentation (Projet Danspace, New York, 2013) ; et Sortie et entrée (8/8) : CHOSES (Théâtre de l'Usine, Genève, 2012). En 2011, Evans a initié Le Bureau pour l'avenir de la chorégraphie—un collectif créé pour étudier les performances participatives et les systèmes chorégraphiques. Evans était rédacteur en chef de Journal de recherche sur le mouvement et la performance (2013-20), conseillère artistique du Tanzkongress (2019), et depuis 2016, co-commissaire et animatrice d'ateliers de danse et de processus (The Kitchen). Elle est lauréate du prix individuel d'artiste de la Fondation pour l'art contemporain, boursière MacDowell et boursière Guggenheim en chorégraphie (2022).

David Watson
Pratique, pratique
Une série de réponses musicales improvisées dans tout le parc qui tournent autour Répétition et le parc environnant. Ces réponses sont guidées par les lieux et une exploration de leurs propriétés sonores propres. Inspirées par l'idée de « répétition » comme forme culturelle et sa différence avec la performance, avec ses notions inhérentes de public et de privé, ces réponses sont guidées par les sculptures de Wieser et les histoires personnelles des musiciens.
—David Watson

Participants principaux
Marcia Bassett – synthétiseur analogique
Daniel Carter – saxophone alto
Marcus Cummins – saxophone soprano
Ian Douglas-Moore – guitare, électronique
Lathan Hardy – sax
Sam Kulik – tuba
Talice Lee – violon
Samara Lubelski – violon
Ryan Sawyer – batterie
Kevin Shea – batterie
David Watson – cornemuse

Résumé du CV
David Watson est un musicien expérimental, figure incontournable de la scène new-yorkaise depuis les années 1980. Spécialisé dans la musique contemporaine pour cornemuse, il compose régulièrement des œuvres expérimentales destinées au public (notamment pour fanfares et ensembles de cornemuses) afin d'explorer l'espace sonore. The New York Times décrit “« Coopté » Une œuvre qu'il a créée avec le chorégraphe Jamar Roberts, considérée comme « l'une des réponses artistiques les plus puissantes à la crise du Covid-19 ». Il organise et programme de la musique expérimentale depuis plus de 40 ans.     https://davidwatsonmusic.net